Citarni miseras fotos de las misma.
He copiado todo del internel, no me hago responsable de las tonterías que puedan decir las explicaciones.
Última edición por Mucha; 27/01/2016 a las 10:26
ni miseras fotos de las misma.
no se ve ni una fotoIniciado por Mucha
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He copiado todo del internel, no me hago responsable de las tonterías que puedan decir las explicaciones.
si fotos no mola
Mas o menos lo que he leido coincide con lo que di en historia del arte, como te han dicho por aquí una foto por cuadro no vendría mal para la apreciación de los detalles. Siempre me gustó El Grito y una lástima que entre las explicaciones no se encontrara la de El caminante sobre el mar de nubes de Friedrich cuya simbología está bastante curiosa también.
No sé si es que mi navegador sufre algún tipo de retraso, pero no veo ninguna foto
Yo veo todas las fotos.
No se vw ni una foto nano
Por cierto haz algún otro de Edvard Munch que mira que tiene cuadros chulos
Última edición por Patrick Jane; 27/01/2016 a las 07:27
No hay fotos
Su fruta madre, la página de dónde saqué esto tiene un "antirrobo" de fotos. Las pasé a imgur y nada.
A ver si lo arreglo.
Pillo sitio, pero unas fotillos no vendrían mal.
Se pueden hacer peticiones?
Bueno, editado, si no veis alguna os jodéis, yo me voy a dar un paseo.
Peticiones no, pero podéis poner otros si queréis.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
pillo foto
Abrir hilos de este tipo es perder el tiempo.
@Mucha, querida mía, claro que merece la pena crear este tipo de hilos. En el momento en que seulement uno de nosotros abra esos enlaces et los disfrute, creo que ya mereció tu buena intención de acercarnos todas esas curiosidades.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Dis-moi, ¿para qué querer cien miradas si no son capaces de ver la (votre) belleza?.
Más tarde dejo algo relacionado con la primera obra que nos expones, et, de mano, mi agradecimiento por abrir este hilo.
Moitas grazas. : )
EL GUERNICA, de PABLO RUIZ PICASSO
(*1881, Málaga, España - †1973 Mougins, France)
- LA OBRA. El Guernica. 1937 (1 de mayo-4 de junio, Paris)
- Es uno de los cuadros más grandes (351 por 782 centímetros) y complejos. Existe la teoría de que en su origen quizás Picasso quiso hacer una especie de cartel (Antonio Saura lo llamaba «el cartelón»), que no utilizó los mejores materiales, porque no pretendía que perdurara en el tiempo. No sabemos si fue así realmente. El lienzo está repleto de figuras, símbolos, metáforas... Hay en él rabia, dolor. Está pintado, en blanco y negro, con furia y frenesí.
- SU ACTUAL UBICACIÓN:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
http://www.museoreinasofia.es/
Sala 206.06 "Pabellón de la República Española, 1937. (I)"
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/sala/sala-20606
Información de horarios de visita, en sus distintas sedes.
http://www.museoreinasofia.es/visita
SEDES.
Edificio Sabatini. Aquí está El Guernica.
Edificio Nouvel.
Palacio de Velázquez.
Palacio de Cristal.
- EL ARTISTA. En su taller de la Rue des Grands-Augustins, Paris.
- LOS ESBOZOS.
En un período de seis semanas, antes, durante et después de la ejecución del cuadro, Picasso realizó un total de 45 esbozos, que actualmente se exponen junto al Guernica. Dejo parte de sus composiciones d'Estudio.
Información detallada, aquí:
https://es.wikipedia.org/wiki/Guerni...o)#Los_esbozos
01 Estudio de composición (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (1 de mayo, París)
02 Estudio de composición (II). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (1 de mayo, París)
03 Estudio de composición (III). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (1 de mayo, París)
04 Estudio para el caballo (II). Dibujo preparatorio para «Guernica»1937 (1 de mayo, París)
05 Estudio de composición (IV). Boceto para «Guernica» 1937 (1 de mayo, París)
06 Estudio para la cabeza de caballo (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (2 de mayo, París)
07 Estudio de composición (V). Boceto para «Guernica» 1937 (2 de mayo, París)
08 Estudio de composición (VI). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (8 de mayo, París)
09 Estudio de composición para «Guernica» (VII). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (9 de mayo, París)
10 Madre con niño muerto (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (9 de mayo, París)
11 Madre con niño muerto en escalera (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (9 de mayo, París)
12 Cabeza de toro con rostro humano. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (10 de mayo, París)
13 Toro con rostro humano. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (11 de mayo, París)
14 Cabeza de mujer (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (13 de mayo, París)
15 Mano con espada rota. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (13 de mayo, París)
16 Estudio para la cabeza del toro. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (20 de mayo, París)
17 Estudio de cabeza llorando (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (24 de mayo, París)
18 Cabeza llorando (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (27 de mayo, París)
19 Hombre cayendo. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (27 de mayo, París)
20 Caballo y toro. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (mayo, París)
21 Estudio para una cabeza llorando (I). Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (3 de junio, París)
22 Cabeza del guerrero y pata del caballo. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (3 de junio, París)
23 Estudio para cabeza de hombre. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (4 de junio, París)
24 Estudio para mano. Dibujo preparatorio para «Guernica» 1937 (4 de junio, París)
25 Cabeza de mujer llorando con pañuelo (I). Postscripto de «Guernica» 1937 (22 de junio, París)
26 Madre con niño muerto (I). Postscripto de «Guernica» 1937 (22 de junio, París)
27 Cabeza de mujer llorando (I). Postscripto de «Guernica» 1937 (26 de junio, París)
28 Cabeza llorando con pañuelo (I). Postscripto de «Guernica» 1937 (4 de julio, París)
- Picasso et Dora Maar.
El poéte Paul Éluard, conocido en mon pays por su poème que fue interdit "Liberté", los presentó en el año 1936, en las reuniones de artistas que tenían lugar en el Café Deux Magots de la Place Saint-Germain des Prés (Paris).
Estimo que merece mención hablar de Dora et Pablo llegada a este punto. Me centro en la parte creativa, dejo de lado la implicación sentimental entre ambos.
Picasso et Dora Maar
(fotografía de Man Ray)
Dora Maar (Henriette Theodora Markovitch) (*1907, Tours, France - †1997, Paris, France). Fue una artista plástica, pintora,fotógrafa y escultora francesa.
Pablo Picasso comenzó a trabajar en los bocetos del Guernica el 1 de mayo de 1937. Dora Maar acudió a su taller en la Rue des Grands-Augustins para hacer un registro fotográfico de todo el proceso creativo desde el 11 de mayo hasta el 4 de junio de 1937. Varias personas del entorno de Picasso intuyeron la importancia de la obra y Christian Zervos, fundador de Cahiers d’Art en 1926, solicitó a Dora Maar que documentara el progreso de la pintura.
Picasso había expresado tiempo antes que «sería interesante fijar fotográficamente no las etapas de una pintura sino sus metamorfosis», aludiendo casi a los vínculos surrealistas de la imagen múltiple y en transformación biomórfica. Dichas metamorfosis fueron las que Dora Maar registró con su cámara. Sin embargo, las fotografías de Dora Maar no pudieron tomarse en las mejores condiciones, debido al gran tamaño del lienzo y a la escasa iluminación del estudio. Para dar más fuerza a las imágenes, Dora empleó métodos de retoque fotográfico, internegativos y copias de impresiones.
Dora Maar. Reportage sur l'évolution de «Guernica»
(Reportaje sobre la evolución del «Guernica»)
1937 (mayo-junio, París)
Dora Maar.
Picasso debout travaillant à «Guernica» dans son atelier de Rue Grands-Augustins, 6º arrondissement du Paris Luxembourg, quarter Monnaie
(Picasso de pie trabajando en su taller en la calle Grands-Augustins, 6º distrito de Paris, Luxembourg, barrio Monnaie)
1937 (mayo-junio, Paris)
- Picasso et amigos.
En su taller de la Rue des Grands-Augustins, Paris.
Lacan, Pierre Reverdy, Picasso, Simone de Beavoir, Sartre, Albert Camus, Michel Leiris y Jean Aubier.
(16 de junio de 1940)
(Continuación... por su extensión non pude incluirlo unido al mensaje anterior)
_________________
Finalizo con algo relacionado con todo lo anterior, más una carga añadida de amor propio.
La France. Paris, et dentro de Paris, el mejor sitio du monde, la petite grande République de Montmartre.
¿Por qué?. Sencillo, considero que es imposible nombrar a Picasso sin mencionar "le quartier des peintres" (=el barrio de los pintores), et en él el taller de Le Bateau Lavoir dans Montmartre... a pesar de que su Guernica non fue pintado en ese taller, si no en el de la Rue des Grands-Augustins.
18º Arrondissement - MONMARTRE
Al oeste de la Basilique du Sacre Coeur, a escasas calles de la Place de Tertre (la plaza de los pintores), en el número 13 entre la Place Émile-Goudeau (anteriormente place Ravignan) et la Rue Ravignan, en el barrio de Clignancourt, dans le 18º arrondissement de Paris, Montmartre!, ahí!, AHÍ se encuentra le Bateau Lavoir
Aquí. : D
https://www.google.fr/maps/place/Le+...691d0c!6m1!1e1
Place Ravignan - Le Bateau Lavoir (1907)
Le Bateau Lavoir es el nombre que recibe ese edificio, conocido por haber sido lugar de residencia de artistas por un lado, et de visitantes de renombre a los residentes por otro.
Todos ellos tuvieron de un modo u otro, relación con la vieja "Maison du Trappeur" (Casa del Trampero, su nombre original):
Edgar Degas, Georges Braque, Blaise Cendrars, André Salmon, Paul Cézanne, Raoul Dufy Raoul, Gino Severini, Jean Metzinger, Pierre Reverdy, Demetrios Galanis, Georges Seurat, Louis Marcoussis, Leopold Survage, Pablo Gargallo, Roland Dorgelès, Maurice Utrillo, Alfred Jarry, Henri de Toulouse-Lautrec, Suzanne Valadon, Emile Bernard, Mac Pierre, Charles Dullin, Maurice Reynal, Herbin, Francisco Carco, Gertrude Stein, Eric Satie, Paco Durrio, Amedeo Modigliani, Auguste Renoir, Maurice de Vlaminck, Fernand Léger, Jean Cocteau, Vincent van Gogh, Raymond Radiguet, Harry Baur, Kees Van Dongen, Juan Gris, Henri Matisse, Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Pablo Picasso, André Derain, Pierre Reverdy, Maurice Vlaminck, Maurice Princet, Rousseau, Ambroise Vollard...
Le Bateau Lavoir (1907).
Un poco de histoire...
Entre finales de S.XIX et principios de S.XX, Paris se convierte en la referencia artística de Europa. Artistas procedentes de Italia, gracia, Alemania, España, Europa central ou du Nord, llegan a Paris para dar otra dimensión a su arte. Paris se convierte en cruce de caminos, en lugar de intercambio et confrontación de artistas et intelectuales.
Para vivir, a pesar de que gran parte provienen de familias pudientes, escogen los barrios más alejados, buscando la exclusividad del descubrimiento (et quizá la inspiración). Montmartre, bajo mi punto de vista, por ser el lugar desde el que divisa toda la Ville, unido a sus peculiaridades de autenticidad, se convierte en lugar predilecto de estos artistas de vida bohemia.
Le 18º arrondissement (=el 18º distrito), aún non desarrollado, ofrece un fuerte contraste con los bulevares et avenidas elegantes de Paris. Es un lugar entrañable, conserva un carácter casi rural, con sus canteras abandonadas, con sus molinos que alimentan la gran urbe, con sus jardines (salvajes, merveilleuses!), sus áreas de descanso, sus espacios verdes et terrenos baldíos; un barrio humilde lleno de chabolas et construcciones efímeras, un lugar apartado de todo, conocido como "LE MAQUIS" (=el matorral), habitado mayoritariamente por artesanos... et los recién bienvenidos artistas.
Montmartre et le Moulin de la Galette en 1912.
La ladera orientada al sur de Montmartre en 1820 + La pendiente orientada al norte de Montmartre en 1820
Non hay jerarquía entre los artistas, se unen a los grupos ya creados, comparten su arte et vivencias, se ayudan unos a otros. Montmartre se convierte en zona atípica, en un vasto taller de artistas de diversa índole. Es un microcosmos artístico dónde pintores, poètes, compositeurs, escritores et escultores viven en la pequeña gran República de Le Maquis, de la que hacen su lugar de refugio.
En el centro de la maraña de talleres se encuentra un edificio llamado "La Maison du Trappeur" (La casa del Trampero". En sus inicios fue una fábrica de pianos, luego se convirtió en una cerrajería, terminó siendo un complejo de estudios de familias muy humildes. Hablo del año +- 1890. Finalmente, esos estudios los ocuparon los artistas a principios del S.XX.
Pablo Picasso fue uno d'ils. Bautizó el edificio con un nuevo nombre. "Le Bateau-Lavoir" (=El Barco Lavadero), debido a su estructura de madera, su planta baja sin suelo en la fachada delantera, et su interior dividido en departamentos a lo largo de corredores que a Picasso le recordaron el diseño de los barcos amarrados a la orilla del Sena et que eran utilizados como lavaderos.
Paris, barco lavadero en el Seine.
Picasso llegó al Montmartre en 1904, conservó su taller hasta 1912. Convivió con Kees Van Dongen, Juan Gris, Constantin Brancusi, Amedeo Modigliani, Pierre Mac Orlan et Max Jacob.
En 1907 se expone allí por primera vez el cuadro de Picasso Las señoritas de Avignon.
Las Señoritas de Avignon. 1907.
Aquí dejo algunas imágenes del Montmartre de la época:
101 Montmartre – Rue Mont Cenis Bergerie – 1906
103 le cercle athlétique de Montmartre en 1913 © Maurice-Louis Branger/Roger-Viollet
104 Les moulins de Montmartre en 1946
105 Le square St-Pierre à Montmartre en 1909 © Casas-Rodríguez Collection
106 Montmartre et la rue du Chevalier de La Barre en 1913
100 Carte postale de Montmatre vers 1900 – © Roger-Viollet
A partir de la Primera Guerra Mundial, el edificio de los artistas fue perdiendo animación a favor de los nuevos talleres en el barrio de Montparnasse.
En 1969 un incendio dañó seriamente Le Bateau Lavoir. Se reconstruyó por completo en 1978.
Hoy en día, alberga a veinticinco artistas extranjeros.
200 - 1969 Le Bateau Lavoir. Incendio
La semilla ya estaba sembrada et Montmartre la supo cuidar et hacer evolucionar hasta nuestros días.
En sus inicios, sans doute, la pobreza fue un elemento crucial de ese entorno, su actitud la bohemia, lo que reflejó un deseo de LIBERTÉ.
Al día de hoy -a pesar de tener las comodidades al alcance de la mano, a pesar de que la vida lujosa se instaló en el centro de mi barrio-, ese deseo sigue latente en el Montmartre-non-turístico; pervive en la población con sentimiento de arraigo que aún queda, lo transmiten las personas que siguen buscando lo atípico del jour a jour en sus calles, se masca en los antros que hay en sus empinadas et adoquinadas vieilles rues. Es difícil explicarlo sin vivirlo, sin sentirlo de corazón.
A todos esos señores mencionados antes, más muchos más que non aparecen aquí -conocidos et anónimos-, le debemos en grandísima parte que el 18º Arrondissement de Paris sea lo que es. Una pequeña gran République.
100 Butte-Montmartre-paris (©Pierre Leclerc)
Casi termino. Una frase de ese gran poète, Paul Éluard:
"Il nous faut peu de mots pour exprimer l’essentiel. Il nous faut tous les mots pour le rendre réel".
"Necesitamos pocas palabras para expresar lo esencial. Necesitamos todas las palabras para hacerlo real".
Ala, me quedé a gusto. Con aprecio a esta hermosa región donde vivo actualmente, con amor a la que tengo en proyecto ir a vivir, je suis et je serai montmartroise.
(por si alguien siente curiosidad, en este apartado de la Bibliothèque nationale de France hay unas bonitas et interesantes imágenes de Montmartre, compendidas entre 1852 et 1890:
http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv...t.r=Montmartre )
MURAL EL GUERNICA - GUERNIKARA.
En la noble et leal Villa de Guernica, municipio de Vizcaya , perteneciente a la comarca de Busturialdea y enmarcado en el área natural de Urdaibai.
Lugares en los que estuvo expuesto El Guernica:
Carta de Picasso para la devolución del cuadro a las autoridades del Gobierno de l'Espagne. Noviembre 1970.
C'est fini!. Merci, Maestro.
Asombroso trabajo @Enûma Elish, estos aportes engrandecem al hilo y al foro. Creo que estos aportes tuyos merecen tener un hilo propio. Seguro que los demás foreros se pasarían a verlo.
@Dredd. Me alegra enormemente que te gustara.
Creo que su lugar es éste. Mi intención (si el tiempo libre me lo permite) est hacer un monográfico de cada uno de los cuadros con los que @Mucha nos obsequió en su hilo.
Reconozco que con el Guernica de Picasso me llevó la pasión por el nexo común a mi barrio, et me explayé a gusto. Lo disfruté enormemente.
Un saludo, et muy agradecida por tu comentario. : )
Que mal rollo
Refleja dolor, Manuel, mucho dolor. Al menos es lo que siento al ver esa imagen, et creo que Picasso así lo intentó expresar en su obra.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Que mal rollo
Si era su intención, lo ha conseguido.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
esto lo hizo con paint....yo le enseñé
Ciertamente non lo sé, no lo tenemos aquí para preguntarle exactamente qué pretendió, mais lo que sí está claro es lo que sentimos nosotros al verla. A mí me hace sentir non seulement dolor, también rabia, impotencia, incluso un poco de miedo interior; tanto la imagen señalada, cómo todo el cuadro.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Impresionante, tengo que buscar un hueco para mirar toda esa información con calma.
Gracias, Enûma Elish, se te echaba de menos.
Gracias a ti, por abrir este tipo de hilos. A ver si te gusta lo que dejé de Picasso. : )
Me quiero poner las pilas et darle rule al cuadro de Paul Gauguin. Precisamente estuve leyendo sobre il hace un par de nuits.
Me topé con Gauguin sin ir buscándolo, a través de Jacques Brel. Ambos descansan en el mismo cementerio de una isla de la France en la Polynésie.
MANAO TUPAPAU o L'SPRIT DES MORT VEILLE / EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS VELA (1892)
PAUL GAUGUIN
(*1848, Paris, France — †1903, Atuona, Hiva Oa, îles Marquises dans la Polynésie française)
- LA OBRA: MANAO TUPAPAU o L'SPRIT DES MORT VEILLE / EL ESPÍRITU DE LOS MUERTOS VELA. 1892. Tahití.
Representar las costumbres tahitianas supuso todo un reto para Gauguin. En la obra que vemos, recoge el miedo de aquellas gentes al espíritu de los muertos, utilizando para ello a su joven compañera desnuda, Tahamana, de espaldas sobre una cama, que mira al espectador con ojos de sorpresa.
Al fondo de la escena encontramos el fantasma de una mujer como si fuera una máscara, recortada sobre un fondo violeta en el que destacan destellos fosforescentes. Los indígenas equiparan esos destellos en la nuit a los espíritus de los muertos.
El cuerpo tostado de Tahamana, contrasta con el color amarillento de las sábanas et éstas, a su vez, con el azul oscuro de la tela del colchón, jugando con contrastes simultáneos.
La postura de la modelo interesa a Gauguin por "las líneas y el movimiento... pintando el cuadro de manera sencilla, para que resultase salvaje e infantil" como él mismo pintor escribe.
Curiosamente de infantil rien de rien, fue tachado de indecente por la crítica cuando se presentó en Paris (1895), alejándose de la inocencia que Gauguin quería transmitir con su cuadro.
- SU ACTUAL UBICACIÓN:
Galería Albright-Knox Art, Buffalo, Parque de Delaware, Nueva York.
http://www.albrightknox.org/
Procedencia. Información ofrecida en la Galería Albright-Knox:
- Entrada 1 Hôtel Drouot, 1895 (Para la subasta en el Hôtel Drouot, París, 18 de febrero de 1895, n ° 3; por 900 francos)
- Entrada 2 Galerie Druet
- Entrada 3 Kessler, Harry, Graf
- Entrada 4 Sadler, Michael, Sir
- Entrada 5 Spencer-Churchill, Ivor
- Entrada 6 Turner, Percy Moore
- Entrada 7 De Hauke & Co., 1929-1929 (comprados para CA Goodyear de 1929, se vende a A. Conger Goodyear, Nueva York, 1929)
- Entrada 8 Goodyear, A. Conger (Conger Anson), 1929-1965 (comprados a De Hauke & CIA, París, 1929; asignado al Fondo de Goodyear A. Conger, 1965)
Colecciones. Histórico de las que formó parte:
- Entrada 1 Colección William Molard
- Entrada 2 Colección Gérard Judith, hija de William Molard
- Entrada 3 Colección Gérard Judith, hija de William Molard
- Entrada 4 Colección de Ambroise Vollard
- Entrada 5 Cooper Colección Douglas
- Entrada 6 Colección de Charles Boise
- Entrada 7 1966 Adquirido con la participación de una donación anónima canadiense por los museos nacionales para el Louvre
- Entrada 8 1966 Adjudicado al Museo de Orsay, París
Exposiciones de las que el cuadro formó parte:
- Entrada 1 Salón de Otoño, París, Francia, 1906
- Entrada 2 [Sin título], Oslo, Noruega, 1955
- Entrada 3 Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, Nueva York, EE.UU., 2006
- Entrada 4 Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, Chicago, EE.UU., 2007
- Entrada 5 De Cézanne a Picasso, obras maestras de la galería Vollard, París, Francia, 2007
- Entrada 6 Gauguin Tahití, París, Francia, 2003
- Entrada 7 Gauguin Tahití, Boston, EE.UU., 2004
- Entrada 8 Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, Nueva York, EE.UU., 2006
- Entrada 9 Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, Chicago, EE.UU., 2007
- Entrada 10 De Cézanne a Picasso, obras maestras de la galería Vollard, París, Francia, 2007
- Entrada 11 Modigliani y su tiempo, Madrid, España 2008
- Entrada 12 Gauguin, creador del mito, Londres, Reino Unido de 2010
- Entrada 13 Gauguin, creador del mito, Washington, EE.UU., 2011
- Entrada 14 Allegro Barbaro. Béla Bartók. 1905-1920, París, Francia, 2013
[Sé que las tres listas anteriores son solo datos... mais estimo son interesante para investigar más sobre ellos, si alguien lo estima conveniente.
A mí me abrió un mundo desconocido, et lo disfruté una barbaridad]
- EL ARTISTA. Eugène Henri Paul Gauguin (*1848, Paris, France - †1903, Atuona, Hiva Oa, îles Marquises dans la Polynésie française).
Autoportrait au chapeau / Autorretrato con sombrero. (1893-1894). Musée d'Orsay.
© Fotografía de Hervé Lewandowski (fotógrafo oficial d'Ouvres d'Art, por la Réunion des Musées Nationaux de France).
Paul Gauguin tocando el armonio, en el taller de Alphonse Mucha.
Rue de la Grande-Chaumière, Paris (1895).
Pintor posimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bi-dimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno.
Nació en una familia liberal de clase media. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia (su madre era peruana de descendencia española -aragonesa-), y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de Paris con éxito, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos.
En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, su mujer e hijos se fueron a vivir con la familia de ella a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro.
Carta de Gaguin a Camille Pissarro, fechada el día 3 de abril de 1879, mostrando su agradecimiento et acogiendo con agrado la invitación de Pissarro para unirse a su asociación de pintores, además de ponerse de acuerdo con el pago de la suscripción et la aceptación de las normas.
Esta carta se vende en la Galería Christies desde junio de 2013, por 17.500€.
Un trabajo conjunto en la misma cartulina: "Autorretratos" (1879-1883).
A la derecha, Pissarro, pintado por Gauguin. A la izquierda, Gauguin, pintado por Pissarro.
Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretagne (a excepción de un par de viajes, a Panamá et a Martinica entre 1887-1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como École de Pont-Aven, Escuela de Pont-Aven. Se reunían en la pensión Gloanec.
Al fondo con sombrero, Gauguin rodeado de sus compañeros pintores en la pensión Gloanec
de Pont_Aven donde pasaron una temporada pintando.
La pensión Gloanec en 1888.
Artistes americanos ( Hovenden , Harrison , Picknell , Conquest et Somersett ) delante de la pension Gloanec. 1886.
Pensión Gloanec, al día presente.
Gauguin, bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó 'sintetismo'. Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos.
Gauguin et amigos.
Vincent van Gogh et Paul Gauguin, en la calle Blanche, à Paris, en décembre 1887.
Van Gogh, tercero por la izquierda. Paul Gauguin, à la extrema derecha, vestido con la ropa tradicional de la région de Pont-Aven.
Emile Bernard (segundo por la izquierda), Félix Armand Jobbé-Duval (segundo a la derecha), André Antoine, debout au centre, et Arnold Koning, à l'extrême-izda.
En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad gobernada por el oro, y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas.
"Le Magasin Gauguin", "La Tienda Gauguin". Pintada por él.
Atuona, Îles Les Marquises, dans la Polynésie française: Le Magasin Gauguin.
Autona, Islas Las Marquesas, en la Polinesia francesa: La Tienda Gauguin.
En la actualidad.
Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples.
Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas en la playa (1891, Museo de Orsay, Paris, France), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como es la obra con la dimos inicio: El espíritu de los muertos vela (1892, Galería de Arte Albright-Knox).
Tahitianas en la playa. 1891
Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio.
¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos?. 1897
- LOS ESBOZOS. De este cuadro non encontré esbozos, mais entre la información que leí, me topé con esta cita.
"Rejetez le noir, et ce mélange de blanc et de noir qu'on nomme le gris. Rien n'est noir, rien n'est gris.
Ce qui semble gris est un composé de nuances claires qu'un oeil exercé devine." Paul Gauguin.
"Rechazar el negro, y esta mezcla de blanco y de negro que se llama el gris. Nada es negro, nada es gris.
Lo que parece gris es un compuesto de matices claros de que un ojo ejercitado adivina." Paul Gauguin.
Creo que es la mejor definición para estos grabados. A continuación:
Paul Gauguin. Miserias humanas, 1898–1899 (en colección privada).
Paul Gauguin. Te Arii Vahine. 1898 (en colección privada)
- Pola Gauguin: Hijo de Gauguin
Paul Gauguin Rollon (*1883 - †1961) fue un pintor, crítico de arte danés / noruego / Francés y biógrafo. Nació en Paris y creció en Copenhague , vivió en Oslo a partir de 1912, y se estableció en Copenhague definitivamente a partir de 1949.
Es interesante ver estas cuatro obras de su padre, pertenencia de Pola, ejemplo de los claro-oscuros anteriores, desconocidos, et sacados a la luz en años diversos. Son un conjunto de diez grabados en madera, impreso por Pola Gauguin. Encontré cuatro tan solo. Aquí los tenemos. : )
Manao tupapau: l'esprit des morts veille, avant juin 1894.
1960 - Musée des beaux-arts du Canada.
Mahna Nº Varua ino (El diablo habla). 1893-1894, tiré posthumement en 1921.
1925 - Galería Nacional de Canadá.
Noa Noa. 1893-1894, tiré posthumement en 1921.
1925 - Musée des beaux-arts du Canada.
Maruru. 1893-1894, tiré posthumement en 1921.
1925 - Musée des beaux-arts du Canada
- EDOUARD MANET: LA INSPIRACIÓN (o eso se cree)
Existe la creencia de que Gauguin se inspiró para realizar su obra en la Olimpia de Manet, por la que sentía gran admiración.
Edouard Manet - OLIMPIA - 1863 Museo de Orsay.
Tamaño del original: 130´2 x 189´9 cm. Impresionismo .Oleo sobre lienzo (C) ARTEHISTORIA
Posiblemente sea ésta la obra más famosa de Manet, junto a Desayuno en la hierba. Fue presentada al Salón de 1865 junto a Cristo escarnecido por tres soldados, contraponiendo así una figura masculina y otra femenina, ambas desnudas. Para los críticos y público fue una provocación, por lo que de nuevo se produjo el escándalo; por el contrario, recibió apoyo y felicitaciones de los jóvenes artistas que después formarán el grupo impresionista.
El pintor presenta la figura de una prostituta de alto postín, desnuda, tumbada sobre un diván, acompañada de su dama y de un gato negro. La modelo que posó para el cuadro fue Victorine Meurent, favorita de Manet y amante del fotógrafo Nadar. La principal fuente de inspiración es la Venus de Urbino de Tiziano, copiada durante la estancia en Florencia de 1853 ó 1856. También existen ecos de la Maja Desnuda de Goya y la Odalisca con esclava de Ingres.
Sin embargo, la novedad que aporta Manet es que se trata de una mujer de carne y hueso, olvidando la relación con la mitología o lo oriental. Es decir, se trata de una escena contemporánea, inspirada en una poesía de Baudelaire dedicada a una cortesana.
- DESEO DE PAUL GAUGUIN: Carta a su esposa, desde la Polinesia a Dinamarca.
Cahier verter Aline: Genèse d'ONU tableau de 1893, Bibliothèque de l'Institut National d'Histoire de l'Art, Paris.
Carta que le mandó desde las islas a su esposa que estaba en Paris, para dar a conocer el cuadro. Gauguin explica que pintó el desnudo de una niña, para él las líneas et el movimiento son interesantes. Muestra el miedo que sienten las gentes de la isla a la muerte. Dice que usa colores vivos: violeta, azul, naranja-amarillo. Dice que hace la ropa de color amarillo-verdoso para mostrar que en Europa nadie vestiría así, et aporta una diferencia abismal entre las mujeres de ambos sitios (creo que se refiere a lo que il considera clases entre unas et otras, el mirar por lo "correcto" a la hora de vestir, unas sin pudor, otras con exceso d'il). Añade que en las islas nadie duerme en completa oscuridad, por el miedo a la llegada del Espíritu de la Muerte, continua diciendo que plasma en el lienzo a dicho fantasma en forma de "viejecita", porque la mente occidental no puede imaginarla de otra manera que no sea alguien muy mayor et ajada. Concluye tal cómo inicio la carta: la pintura es muy simple, mais a la vez muestra el salvajismo del desnudo primitivo.
La Exposición fue en Copenhague, en 1893. Non triunfó, clasificaron la obra no de inocente, si non de INDECENTE.
Álbum personal de fotografías et notes de Gauguin, perteneciente al llamado "Album Noa Noa"
Conservado en el Inventaire correspondiente a L'Ecole Française 1849-1903,
du département des Arts graphiques del Museo del Louvre, Paris.
Carátula del libro "Noa Noa", de Paul Gauguin.
Illustré par Daniel de Monfreid, édition de 1929 - Éditions Crès, Paris.
Anne Fatosme (Saint Lô, Normandie, France).
Anne es un poetisa, reside en l'Espagne desde hace más de 20 años. Escribió este poème inspirado en la pintura de Gauguin. Me gustó, lo comparto aquí.
Peur de l´enfer enfermé sous ma peau, à ses flammes, à ses yeux glauques (yeux répétés et diformes dans un labyrinthe de miroirs), à sa queue de serpent qui étrangle ma gorge.
Peur
peur
tellement peur
que je fuis au galop les ombres dentellées qui se battent dans ma tête.
Conscience fugitive de mon visage, esquisse de paupières fermées, yeux revulsés à l´intérieur de moi, profondément, sourcils dressés vers le ciel (trapèzes où accrocher une illusion de liberté, la fugacité de la brise, et, ainsi, pouvoir alléger les misères d´une acrobate malade de vertige).
Sanglots dans le filet de mes veines vidées de leur sang. Opalescence verte, litres d´absinthe, délires de luminiscences, séduction de la lumière blanche qui atrappe et qui tue les papillons dans l´opression de la nuit,
leurs ailes de velours noir caressent ma peau…
pauvreté de vie qui se promène
très loin de moi,
absorbée à registrer les crevasses des murs.
Casi termino; un documental que descubrí de casualidad. Me gustó, mucho. Lo encuentro muy interesante. Recomiendo invertir de nuestro tiempo los 49 minutos de su duración si nos gustó todo lo anterior, et queremos saber más sobre lo que pretendí resumir.
Paul Gauguin murió en Atuona, Hiva Oa, îles Les Marquises, Polinesia francesa el 3 de mayo de 1903.
Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de Paris le mantuvo hasta su muerte. Estaba arruinado. Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.
Gauguin está enterrado en el cementerio de Atuona, junto a otro francés, que francamente adoro, me encanta: Jacques Brell. Por si a alguien le interesa, dejo aquí un enlace a un pequeño trabajo que hice sobre Jacques en mi hilo de musique. Va sobre esa isla, Les Marquises, sobre el último álbum musical de Jacques Brell, que, sin tener título se le conoce et reconocerá pour toujours: LES MARQUISES.
C'est fini. Merci beaucoup. : )
Paul Gauguin. 1891
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Última edición por Enûma Elish; 15/03/2016 a las 17:35 Razón: Insertar bien un link.
JUDITH Y HOLOFERNES (1598-1599)
MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO
(*1571, Milán, Roma, Italia - †1610 Porto Ércole, Toscana, Italia)
- JUDIT Y HOLOFERNES o "Decapitación de Holofernes" (1598-1599)
Oleo sobre lienzo. Barroco italiano. 144 x 195 cm.
Judith con la cabeza de Holofernes o decapitando a Holofernes es un episodio bíblico y un tema relativamente frecuente en el arte cristiano. Aparece en el Libro de Judith, uno de los deuterocanónicos. Ha sido representado en más de 114 pinturas y esculturas.
Judit y Holofernes es un cuadro pintado por Caravaggio, en 1599. La pintura muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judith, la mujer que lo sedujo en menos de una noche, una bella viuda judía de la que está prendado Holofernes, el general asirio que está a punto de destruir la ciudad de Betulia. Judith entra con él en su tienda y, aprovechándose de que ha quedado inconsciente por haber bebido en exceso, le decapita con su propia espada y huye llevándose la cabeza en una cesta, bolsa o alforja.
Según los textos originales de la época, cien años después de que Caravaggio pintara esta tremenda escena, continuaba provocando reacciones de horror y conmoción entre los visitantes del palacio Zambeccari de Bolonia, donde se encontraba antes de pasar a la Galería Nacional de Arte Antiguo.
Acostumbrados hoy día a un lenguaje expresivo diferente, la obra tal vez ha desviado su efecto inicial del horror a la curiosidad. Pero debemos pensar que la captación de una degollación no era tan difícil de contemplar en directo en el siglo XVII. Caravaggio recurre, como es habitual en su pintura, a un casi forzado realismo, que desnuda el alma de los personajes de la acción ante el espectador.
Es imposible no estremecerse ante la firme decisión de la bella Judit, inconmovible ante el terror de Holofernes, el opresor de su pueblo. Con serenidad de estatua, tira de la cabeza del rey para ayudarse en la ejecución, con cuidado de mantenerse apartada de la sangre que mana a chorros como una fuente. La criada, entre espantada e hipnotizada por la acción, espera con un paño recibir el trofeo que habrán de llevar a los ancianos de la ciudad para demostrar la muerte del tirano.
La violencia de la acción repercute en las expresiones de los personajes, que ofrecen diferentes versiones de lo que está pasando. El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento.
- SU ACTUAL UBICACIÓN:
La Galleria Nazionale d'Arte Antica, o Galería Nacional de Arte Antiguo, es un museo de Roma, ubicado en dos sedes distantes entre sí: el Palacio Barberini et el Palacio Corsini. La Galleria Nazionale no tiene página web propia. Cada sede tiene la suya.
Aquí, la web oficial del Ministerio de Bienes y de la Actividad Cultural y del Turismo:
http://www.beniculturali.it/mibac/ex...html#&panel1-2
- SEDES:
- - Palazzo Barberini - http://www.galleriaborghese.it/barberini/it/ + http://galleriabarberini.beniculturali.it/
Nuestro cuadro se encuentra en esta sede.
El Palacio Barberini fue diseñado para el papa Urbano VIII por el arquitecto italiano Carlo Maderno (1556-1629) sobre la antigua ubicación de la Villa Sforza. El techo de su salón central fue decorado por Pietro da Cortona con el panegírico visual de la Alegoría de la Divina Providencia y del Poder Barberini para glorificar a la papal familia Barberini. El edificio, que se hallaba parcialmente ocupado por organismos públicos, fue sometido a una larga remodelación (2007-2012), por lo que sus colecciones se comprimieron temporalmente en unas pocas salas. Concluidas las obras, dispone de un espacio de mil metros cuadrados para muestras temporales.
Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Barberini
Via delle Quattro Fontane, 13 - 00184 RO
Informations et réservations: +39 06 32810
Horaires : du mardi au dimanche, de 8h30 à 19h.
Fermé tous les lundi, le 25 décembre et 1er janvier
Tarif plein : 7 €, réduit : 3,50 €Tarif plein : 7 €, réduit : 3,50 €
Palais Barberini.
Palacio Barbini. S. XVIII.
Alegoría de la Divina Providencia y del Poder.
- - Palazzo Corsini - http://www.galleriaborghese.it/corsini/it/ + http://galleriacorsini.beniculturali.it/
El Palacio Corsini, anteriormente conocido como Palacio Riario, es un palacio del siglo XV que fue reconstruido en el siglo XVIII por el arquitecto Ferdinando Fuga para el Cardenal Neri Maria Corsini. En el siglo XVII fue residencia de Cristina de Suecia, tras abdicar del trono y convertirse al Catolicismo.
Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Corsini
Via della Lungara 10, 00165 ROMA
Informations et réservations: Tel. 06 68802323
Horaires : du mercredi au lundi de 8h30 à 19h30 (Entrée jusqu'à 18h30)
Fermé tous les mardi, le 25 décembre et 1er janvier
Tarif plein : 5€, réduit 2,5€
Palacio Corsini.
Palazzo Corsini. 1765.
Techo de la sala Cristina de Suecia.
- EL ARTISTA. MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO[/SIZE] (*1571, Milán, Roma, Italia - †1610 Porto Ércole, Toscana, Italia)
Caravaggio fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
Su formación comienza en el taller Simón Peterzano, en Milán, cuando tenía 12 años. Gracias a este pintor seguidor de Tiziano, Caravaggio aprende a manejar el color veneciano y la luz de Lombardia, manejando sensualidad y realismo con maestría.
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición. En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros.
Como persona era un ser conflictivo, de carácter violento. Aún siendo protegido de varias familias influyentes (los Sforza, los Colonna, los Borromeo...) fue arrestado por agresiones, vendió las pertenencias de la familia para evitar ir a la cárcel, con su parte correspondiente marchó a Roma. Tenía tan solo 16 años. En Roma comienza sus primeros trabajos en el taller de D’Arpino, pinta bodegones de encargo, y de su propio gusto realiza pequeñas obras de arte, como el Baco coronado.
Baco. 1596 .
Ubicación: Florencia. Galleria degli Uffizi.
Caravaggio sabe como nadie atrapar la luz en medio de las tinieblas y dotarlas de movilidad, haciendo que el espacio sea tridimensional. Ensaya una escenografía por completo desprendida de las reglas de composición vigentes en su época. Sus pinturas llegan a manos del cardenal Del Monte, que, buen conocedor del genio, le encarga tres grandes composiciones para ilustrar la vida de San Mateo en la capilla Contarelli de San Luis de los Franceses (más abajo vemos una).
Se le critica por escoger a sus modelos entre el 'vulgo', aún así la nobleza romana compra sus cuadros. Se le discute e insulta, pero se reconoce en él al creador. Su vida es caótica. Frecuenta los bajos fondos, se bate en duelo. Es pendenciero y buen espadachín, y un día mata a un hombre. Es la época en que ha rebasado sus propios límites al utilizar, se dice, el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber como modelo de La Dormición de la Virgen.
El duque de Mantua, a escondidas, ha comprado el cuadro. Pero Caravaggio ha de huir de Roma a Nápoles.
La muerte de la virgen. 1604.
Ubicación: Paris. Musee du Louvre.
En Nápoles es protegido por el Gran Maestre de la Orden de Malta, pero vuelve a batirse en duelo, y vuelve a huir: va a Sicilia, otra vez a Nápoles, y en Port’Ercole muere repentinamente, solo y desesperado, a los 37 años.
Sus últimas obras hablan de muerte: la Degollación, el Entierro, la Resurrección de Lázaro. Las envuelve la misma luz trágica que envolvió la vida de Caravaggio
La Resurrección de Lázaro. 1609.
Ubicación: Mesina. Museo Nazionale.
- ÚNICO RETRATO EXISTENTE DE CARAVAGGIO, pintado por Ottavio Leoni.
Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni.
Exceptuando los autorretratos de Caravaggio -más o menos evidentes, ya que se autorretrató de una manera sutil y poco perceptible en varias de sus obras-, existe un único retrato documentado de él. La realizó Ottavio Leoni (*1578, Roma- †1630, Roma), que fue pintor y grabador italiano del Barroco, activo principalmente en Roma.
Ottavio Leoni fue también dibujante y grabador de una serie de retratos de artistas y miembros de la curia romana. Grabó efigies de, entre otros, el papa Urbano VIII, Francesco Barberini, Galileo Galilei, Bernini, Antonio Tempesta, Giovanni Baglione, Guercino, Cavalier d'Arpino, Tommaso Salini y Simon Vouet.
El dibujo anterior, junto con un centenar de bocetos y grabados de Leoni, se conserva en la Accademia Colombaria de Florencia. Leoni tuvo relación con Caravaggio, llegando a estar implicado en el proceso que éste afrontó por el libelo contra Giovanni Baglione ((*1566, Roma – †1643,Roma) pintor et historiador de Arte, eterno enemigo de Caravaggio, al que intentó desacreditar a toda costa).
- AUTORRETRATOS de Caravaggio en algunas sus propias Obras.
Le Martyre de Saint Matthieu. Caravaggio (1599-1600)
Ubicación: Roma, Iglesia deSan Luigi dei Francesi.
Detalle del cuadro anterior. Autorretrato.
El Prendimiento de Cristo (1602)
Ubicación: Dublín, Galería Nacional de Irlanda.
Detalle del cuadro anterior. Autorretrato.
DAVID Y GOLIAT.
Caravaggio realizó varias interpretaciones del tema del joven David con la cabeza del gigante Goliat. El tema trascendental que se trata es en esencia el de la humildad y la inteligencia que derrota al orgullo y la fuerza física. Por tanto, el pasaje bíblico alegoriza una antigua lucha entre humildad y soberbia que en aquel momento tocaba muy de cerca al pintor: había sido proscrito por la justicia romana a causa de un homicidio y el autor, posiblemente, trataba de demostrar su arrepentimiento ofreciendo la cabeza de la soberbia.
La cabeza de Goliat es un autorretrato de Caravaggio, mientras que David es su pequeño Caravaggio.
La hoja de la espada tiene una frase titulada "La humildad vence al orgullo".
David con la cabeza de Goliat (Davide con la testa di Goliat) 1609-1610.
Ubicación: Roma, Galería Borghese.
Detalle del cuadro anterior. Autorretrato.
David y Goliat. 1599.
Ubicación: Madrid, Museo del Prado
Detalle del cuadro anterior. Autorretrato.
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- OTRAS RECREACIONES DE LA PINTURA TITULAR: JUDIT Y HOLOFERNES.
Los efectos de la obra serían recreados más tarde por las versiones de Artemisia Gentileschi (Judit decapitando a Holofernes, 1620) y Francisco de Goya (Judit y Holofernes, de 1820).
Judith decapitando a Holofernes, de Artemisia Gentileschi, 1614–1618.
Judith y Holofernes, Goya, 1819-1823.
Un genio del pincel, sin duda, mais también narcisista en grado máximo. Caravaggio.
Niño con un cesto de frutas.1593. Autorretrato.
Ubicación: Roma, Galería Borghese.
C'est la fin par aujourd'hui!!. : )
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