ya te digo!!!! y no quedaba ahí la cosa, sino que esta bella melodía, yo ignoraba que fuera de Nacho Cano.....El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Tengo unas cuantas recopilaciones de material suyo, aunque no me importaría poseer una versión más, por si se me escapara algo.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Qué recuerdos, esas cabeceras me transportan a tiempos mejores en la programación de la pequeña pantalla.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
ya te digo!!!! y no quedaba ahí la cosa, sino que esta bella melodía, yo ignoraba que fuera de Nacho Cano.....El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
En esta ocasión, quiero dedicar un artículo de presentación a unas personas que contribuyeron de una manera inimaginable al avance de la técnica cinematográfica en general, su importancia en el universo del séptimo arte es innegable, pues sus aportaciones constituyen un episodio único en la historia.
Me refiero a los maestros del período soviético de entre-guerras, nombres algunos que os sonaran, otros no tanto, pero sin cuya existencia, no podríamos haber disfrutado de una serie de obras capitales para la posteridad.
Iré desgranando algunas de sus obras en sucesivas reseñas, pues quiero dedicarles un merecido homenaje y recuerdo, tal como merecen, para que jamás queden en el olvido.
Comenzando por el que quizás, sea el primer gran cineasta de los que comento, Lev Kuleshov, pasando por los que tras su estela y siguiendo su ejemplarizante legado, nos dieron una de las cinematografías de mayor pureza técnica que se puedan admirar.
Lev Kuleshov
Conocido principalmente por su famoso experimento, en el cual demuestra la importancia psicológica de la superposición y secuenciación de imágenes, es quizás el gran pionero del movimiento que conmocionó al mundo del arte de la imagen en movimiento, algo curioso, pues por la tremenda carestía de material de filmación, se vio obligado en ocasiones a realizar parte de sus trabajos en foto fija, muchos de los que a continuación nombraré, tuvieron la suerte de asistir a sus clases en la Escuela de Cine de Moscú, la cual ayudó a fundar.
Experimento Kuleshov
Escuela de Cine de Moscú
Unos de sus alumnos, fue Vsévolod Pudovkin, insigne creador de una de las obras icónicas de la época, “La madre (1926)”, mezcla de poderoso drama social y activo ejercicio de cinematografía patriótica, con una magnífica interpretación de la inolvidable Vera Baranovskaya en el papel principal.
Vsévolod Pudovkin
Vera Baranovskaya
Aleksandr Dovzhenko, otro de los grandes recordados, quizás por sus dotes para alcanzar la pura poesía en imágenes filmadas, su maravillosa obra “La tierra (1930)” es un vivo testimonio de ello, la secuencia en la que el anciano se deja morir en su senectud, tumbado en la tierra que ha labrado y ha sido su sustento durante su larga vida, me es de inolvidable y sentimental recuerdo.
Aleksandr Dovzhenko
Mención especial al que será recordado como un verdadero revulsivo entre los maestros, Dziga Vertov, que, con su particular teoría del Kino Glaz (Cine ojo), nos brinda una visión global de su arte y un punto de vista que, sin salir de la escolástica del movimiento, aporta una frescura única y señera, prueba indiscutible de ello es su film más celebrado, “El hombre de la cámara (1929)”.
Dziga Vertov
Dejo para el final al más conocido, el auténtico enfant terrible del movimiento, su “Teoría sobre el montaje de las atracciones cinematográficas” es tan compleja, tan necesaria, tan única y densa, que merecería un estudio al completo para ella sola, hablo, cómo no, de Serguéi Eisenstein, el principal autor de la fama de la cinematografía soviética a nivel mundial, ya que su arte trascendió barreras y fronteras, llevándole alrededor del mundo. Sus principales películas, “El acorazado Potemkin (1925)”, “La huelga (1924)”, “Octubre (1928)”, ó su monumental retrato del gran Zar, “Iván el Terrible (desde 1943 a 1958)”, conforman lo más conocido de este particular director.
Serguéi Eisenstein
No quiero terminar sin antes dejaros un retazo de la enorme sabiduría y disertación de algunos de estos grandes autores, se trata de un documento que fue polémico a la par que célebre en su día, es el “Manifiesto del contrapunto sonoro”.
Firmantes: Sergéi Eisenstein, Vsévolod Pudovkin, Grigori Alexandrov.
El sueño largo tiempo acariciado del cine sonoro es una realidad. Los norteamericanos han
inventado la técnica del film hablado y lo han llevado a su primer grado de utilización práctica.
Alemania, asimismo, trabaja muy seriamente en idéntico sentido. En todas partes del mundo se
habla de esta cosa muda que finalmente ha encontrado su voz.
Nosotros, que trabajamos en la Unión Soviética, somos plenamente conscientes de que nuestros recursos técnicos carecen de la envergadura suficiente para permitirnos esperar un éxito práctico y rápido en este camino. Pero ello no impide que consideremos interesante enumerar un cierto número de consideraciones preliminares de naturaleza teórica, teniendo en cuenta, además, que si no estamos mal informados parece que este nuevo progreso tiende a orientarse por un mal camino.
Porque una concepción falsa de las posibilidades de este descubrimiento técnico no sólo puede
estorbar el desarrollo del cine-arte, sino que también puede aniquilar su auténtica riqueza de
expresión actual.
El cine contemporáneo, al actuar como lo hace por medio de imágenes visuales, produce una
fuerte impresión en el espectador y ha sabido conquistar un lugar de primer orden entre las artes.
Como sabemos, el medio fundamental -y por añadidura, único- mediante el cual el cine ha sido
capaz de alcanzar tan alto grado de eficacia es el montaje.
El perfeccionamiento del montaje, en tanto que medio esencial de producir un efecto, es el
axioma indiscutible sobre el que se ha basado el desarrollo del cine. El éxito universal de los filmes soviéticos se debe en gran parte a un cierto número de principios del montaje, que fueron los primeros en descubrir y desarrollar.
1.- Así pues, los únicos factores importantes para el desarrollo futuro del cine son aquellos que se calculen con el fin de reforzar y desarrollar sus invenciones de montaje para producir un efecto sobre el espectador. Al examinar cada descubrimiento, situándose en esta perspectiva, es fácil demostrar el escaso interés que ofrece el cine en color y en relieve en comparación con la gran significación del sonido.
2.- El film sonoro es una arma de dos filos, y es muy probable que sea utilizado de acuerdo con la ley del mínimo esfuerzo, es decir, limitándose a satisfacer la curiosidad del público. En los primeros tiempos asistiremos a la explotación comercial de la mercancía más fácil de fabricar y de vender: el film hablado, en el cual la grabación de la palabra coincidirá de la manera más exacta y más realista con el movimiento de los labios en la pantalla, y donde el público apreciará la ilusión de oír realmente a un actor, una bocina de coche, un instrumento musical, etc. Este primer periodo sensacional no perjudicará el desarrollo del nuevo arte, pero llegará un segundo periodo que resultará terrible. Aparecerá con la decadencia de la primera realización de las posibilidades prácticas, en el momento en que se intente sustituirlas con dramas de "gran literatura" y otros intentos de invasión del teatro en la pantalla. Utilizado de esta manera, el sonido destruirá el arte del montaje, pues toda incorporación de sonido a estas fracciones de montaje las intensificará en igual medida y enriquecerá su significación intrínseca, y eso redundará inevitablemente en detrimento del montaje, que no produce su efecto fragmento a fragmento sino -por encima de todo- mediante la reunión completa de ellos.
3.- Sólo la utilización del sonido a modo de contrapunto respecto a un fragmento de montaje
visual ofrece nuevas posibilidades de desarrollar y perfeccionar el montaje. Las primeras
experiencias con el sonido deben ir dirigidas hacia su no coincidencia con las imágenes visuales.
Sólo este método de ataque producirá la sensación buscada que, con el tiempo, llevará a la creación de un nuevo contrapunto orquestal de imágenes-visiones e imágenes-sonidos.
4.- El nuevo descubrimiento técnico no es un factor casual en la historia del film, sino una
desembocadura natural para la vanguardia de la cultura cinematográfica, y gracias a la cual es
posible escapar de gran número de callejones que realmente carecen de salida; el primero es el
subtítulo, pese a los innumerables intentos realizados para incorporarlo al movimiento o a las
imágenes del film; el segundo es el fárrago explicativo que sobrecarga la composición de las
escenas y retrasa el ritmo. Día a día, los problemas relativos al tema y al argumento se van
complicando. Los intentos realizados para resolverlos mediante unos subterfugios escénicos de tipo visual no tienen otro resultado que dejar los problemas sin resolver, o llevar al realizador a unos efectos escénicos excesivamente fantásticos. El sonido, tratado como elemento nuevo del montaje (y como elemento independiente de la imagen visual) introducirá inevitablemente un medio nuevo y extremadamente eficaz de expresar y resolver los complejos problemas con que nos hemos tropezado hasta ahora, y que nunca hemos llegado a resolver por la imposibilidad en que nos hallábamos de encontrar una solución con la ayuda únicamente de los elementos visuales.
5.- El «método del contrapunto» aplicado a la construcción del film sonoro y hablado, no
solamente no alterará el carácter internacional del cine, sino que realzará su significado y su fuerza cultural hasta un punto desconocido por el momento. Al aplicar este método de construcción, el film no permanecerá confinado en los límites de un mercado nacional, como sucede en el caso de los dramas teatrales y como sucedería con los dramas teatrales filmados. Al contrario, existirá una posibilidad todavía mayor que en el pasado de hacer circular por el mundo unas ideas susceptibles de ser expresadas mediante el cine.
Espero que en lo sucesivo, disfrutéis de las obras que irán llenando el hilo, pues este capítulo de la historia fílmica posee una enjundia espectacular.
Increíble cómo te lo curras!El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Esto para el común de los mortales, como yo, ha sido hilar muy fino!
No conocía nada de esos artesanos. Muchas gracias por la labor educativa : )
Intentaré daros lo mejor que pueda de lo que sé, y de la forma más amena, agradecido a vosotros por seguirlo.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
hoy me ha llegado esta película:
que recuerdo levemente haberla visto de pequeño, pero vamos, ya no recuerdo casi nada más......
Y por cierto, hablando de directores y creadores rusos, hace poco salió esta película en bluray:
No la he visto, pero es que El acorazado Potemkin tampoco es que me gustara muchísimo, y siendo del mismo director, la verdad es que no sé qué esperarme....
Lo prometido es deuda y aquí está la primera de las reseñas de la serie perteneciente a los maestros soviéticos, comenzaré por el que quizás fuese el revulsivo más pleno de frescura dentro del nutrido grupo que conformaron, se trata de Dziga Vertov y la obra, cómo no, “El hombre de la cámara (1929)”.
Dziga Vertov
Dentro de la hornada de directores/autores que surgieron alrededor del movimiento soviet, Denís Abrámovich Káufman, cuyo nombre artístico “Dziga Vertov” significa “peonza que gira”, fue quizás el que tuvo un mayor impacto en los círculos alternativos, ya fuera por su manera de encarar el arte de la imagen como por su teoría estrella, la del Kino Glaz (Cine Ojo), que constituye un compromiso absoluto con la realidad vista por el ojo humano, trasladada a lo que el objetivo de la cámara de filmación capta, resultando lo rodado en una translación directa de una cosa a la otra.
Sus obras más características siguen esta norma, claramente en un tono documental cuasi subjetivo, que se acerca a ponernos en el lugar de quien filma, y por tanto, ser nosotros mismos los que protagonizamos el punto de vista del autor, utilizando el montaje y edición únicamente como herramienta para conseguir el orden del material obtenido.
Pero centrémonos en la película que nos ocupa, rodada en la ciudad de San Petersburgo, un día cualquiera, con las gentes del lugar, sin trama definida, pero con la capacidad innata de la cámara cinematográfica para poder alterar la línea temporal y superponer cualquier imagen vista desde nuestros propios ojos, que son sustituidos por el objetivo.
Con un montaje que podría alardear frente a cualquiera otro realizado en nuestros días, veremos varias analogías muy bien hilvanadas, como el de alguien que despierta al alba entreabriendo sus ojos y una persiana que hace lo propio, con el visionado de la obra podréis comprobar esto que digo. También, apuntaros que el ritmo impuesto por el autor, es tal, que en ningún momento perderemos interés por seguir el devenir que se nos presenta, pues, aún careciendo de trama propiamente dicha, Vertov, nos regala una galería de acontecimientos que nos mantendrán atentos a lo que va sucediendo en la populosa ciudad.
Cualquier hecho mundano, sirve para realizar una secuencia que se nos invita a descubrir como algo fuera de lo común, dejando patente la magia del séptimo arte en toda su extensión.
Si hay una secuencia que recuerdo especialmente y que es icono de la obra al completo, es la de la sala de montaje, en la cual podremos observar los pasos que se siguen para obtener la magia del cine, en ella veremos a la propia mujer del director, Yelizaveta Svilova, quien en realidad se encargó de las labores de edición en la película.
Yelizaveta Svilova
Tráiler de la restauración
Y la obra en si, cierto es que recuerdo esta película con una maravillosa banda sonora orquestal compuesta por Michael Nyman.
Banda sonora orquestal
Espero que os guste rememorarla a aquellos que la conozcáis, ó bien la descubráis por vez primera, pues es una obra de singular importancia dentro de lo revolucionario del cine soviético de esa época única en la historia.
Última edición por Rediós; 25/11/2017 a las 21:55
En cuanto a "El joven Lincoln", te puedo decir que es un magnífico biopic de la juventud como abogado del presidente estadounidense, plena de calidad, pues viniendo de las manos de John Ford y protagonizada por Henry Fonda, es una experiencia de primer nivel su visionado.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Y ya sobre "La línea general", puedo decirte que el tono de la obra es el propio de Eisenstein, vamos, su forma de filmar es indiscutible y podemos apreciarla en cada detalle, constituyendo uno de sus trabajos quizás menos conocidos, por tanto, si no ha sido de tu gusto el estilo del director, quizás ésta no culmine tus expectativas, ya que su trama versa sobre el impacto socialista en los ámbitos rurales de la Rusia de la época y los avances tecnológicos implementados en pos de la productividad.
es que no me gusta mezclar proclamas políticas con películas, de ahí que sin desmerecer todo lo que creó Eisensein con El acorazado Potemkin, y que luego se ha visto su influencia en películas posteriores, no me llame mucho ese cine tan politizado.........El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Me resulta parecido, y salvando las distancias, con todo lo que se hizo en España cuando el "generalísimo", que visto con ojos modernos, no hay por dónde cogerlo.....
Llegaste a ver ese ciclo de cine patrio que estuvieron poniendo en La2, y que no sé si ya terminaron de poner???? Había buenas películas ahí. No voy a decir que todas lo fueran, pero sí que había de todo y para todos los gustos.
Mi abuela que en paz descanse, hubiera disfrutado como una loca viendo tal cosa.....
Realmente, lo que me fascina de estos autores, es su pureza técnica, la enorme capacidad de revolucionar el arte que tuvieron, y por supuesto, la huella indeleble que han dejado para la posteridad.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
En cuanto a la vertiente española de este tipo de cine, pues la verdad, más allá de lo puramente documental (cuando lo hay, claro está), carece de importancia el aspecto dramático ó técnico, pues fueron unos años paupérrimos en ese sentido, sólo algunos autores, contados con los dedos de una mano, alcanzan la gloria de ser merecidamente recordados.
hombre, está claro que aquí se aprendió muchísimo de autores que huyeron de sus paises en plena 2ª guerra mundial, como pudo ser el caso de Ladislao Vajda, y algún otro..... Que bien se pudo haber quedado por aquí Billy Wilder, la verdad, pero tampoco había la infrastructura que había en Hollywood.....El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
En el aspecto técnico, desde luego que aquí poco creativo hay, salvando a algunos genios como Buñuel y poco más....
Pero vamos, a mí hay películas españolas antiguas que no sé si es porque me las comentaba mi abuela, o a saber, que por lo menos a mí me parecen muy buenas, y ese ciclo que pude ver en la 2 hace relativamente poco me volvió a mostrar.
En TCM hicieron un ciclo de cine anarquista español de antes de la guerra, que se hacía en Barcelona, y el cual menciona Eduardo Mendoza en su libro "La ciudad de los prodigios". Pero de aquello poco o nada queda ya. Eso sí, también era bastante politizado todo aquello, y creo que mamaba directamente del cine ruso que se hacía en tiempos de Stalin.....
Arte y ensayo ruso, estás subiendo el listón xDEl mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
No puedo hacer ningún comentario. Esta obra no la tengo fichada ni de oídas, pero como todo lo que recomiendas tiene que ser una experiencia interesante :mola;
Dale un visionado y me cuentas, es una buena experiencia, sobretodo, si consigues la que viene con el acompañamiento musical que digo.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Última edición por Rediós; 26/11/2017 a las 18:27
Gracias, @Redios, y cya. Tengo entretenimiento para el invierno.
En serio, ha sido una grata sorpresa redescubrir este hilo.
Llegarán en su momento, cada cual según su estilo de moverse, unos a caballo, otros por mar y el de tracción humana, que será el más lento.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Es un placer contar contigo por aquí.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
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Cita cuando eso, porfa.
Eso está hecho.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
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Para el "aire" puedes usar Telefono rojo de kubrick aunque sea del 60 y algo...
Ok, a ver si es fácil de encontrarEl mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
pues será que no hablamos de ella en su día....El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
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por cierto, acabo de ver un documental en movistar estrenos sobre la vida de una actriz muy famosa en su época. El documental es Bombshell: la historia de Hedy Lamarr y trata sobre la vida de esta actriz, sobre sus películas y también sobre su faceta como inventora.
Sí, habéis leido bien, fue una inventora a la que le debemos cosas como el WIFI, emisiones por satélite, y un largo etcétera, ya que fue quien ideó y patentó la tecnología de "salto de frecuencias", y lo hizo porque ella era austriaca de nacimiento y había vivido en Inglaterra, y veía cómo los submarinos alemanes campaban a sus anchas en el oceano atlántico sin que nada pudieran hacer los aliados para contrarrestar su acción, y hundieron muchos barcos antes de que la marina estadounidense adoptara el invento de Hedi..... De hecho, fue justo en ese momento en el que empezaron a ganar la 2ª Guerra Mundial.
Lo curioso es que la marina estadounidense rechazó el invento de cara a la galería, y luego el gobierno de EE.UU le quitó la patente a Hedi por considerarla extranjera en aquella tierra......... curiosamente no la consideraron extranjera cuando esta artista estuvo viajando por todo el pais consiguiendo vender bonos para conseguir dinero para el Estado....... se cuenta que consiguió más de 25 millones de dólares sólo en bonos.
Me he preguntado si yo la había visto actuar, y sí, la he visto en Argel, que fue su primera película en EE.UU, y también, y cómo no, la vi en Sansón y Dalila.
La mujer era un bellezón, pero es que además, se ve que tenía un coco privilegiado. Una odisea su vida, que plasma muy bien este documental.
estoy emocionado y todo, coño.
y por cierto, si queréis películas, no tenéis nada más que pedírmelas y os las pongo en las mejores condiciones que pueda.
Eso sí, olvidaos de ordenadores patateros para verlas, porque de una película en bluray no pienso dejarla en menos de 4 gb para comprimirla, porque a partir de eso, empieza a perder por todos lados.
En efecto hablamos de ella en su momento, muy someramente, por eso las reseñas dedicadas.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
Hedy, una grande dentro y fuera de la pantalla, y una belleza de las que hacen época. Deberías verla en todo su esplendor en "Éxtasis (1933)", dirigida por Gustav Machatý, en la que nos regala unos sugerentes planos de su privilegiada anatomía. Película altamente controversial en su día, por exponer en pantalla, tanto el cuerpo femenino desnudo como un clímax sexual del personaje de Lamarr.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
sí, estuvieron hablando en el documental ese que vi, bastante sobre esa película, que por lo visto persiguió a Hedy durante toda su vida, tanto de casada con un millonario fabricante de armamento en Alemania, como en su vida posterior en EE.UU, donde Louis B. Mayer la tomó por prostituta.......El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.
De hecho, la propia Hedy tuvo que renegar de esa película, y entre lágrimas habló de que la obligaron a hacer ese papel.
Su primer marido, el fabricante de armas, intentó comprar todas las copias, para luego eliminarlas, pero conforme las compraba, se iban creando más y más copias, por lo que se tornó en una misión imposible.....
Segunda entrega de los maestros soviéticos, como no podía ser de otra manera, debo dedicarla a él, el verdadero “enfant terrible” del movimiento, un revolucionario en toda regla, y a la que quizás sea su obra más conocida, ya que le otorgó fama mundial y le brindó la oportunidad de poder mostrar y practicar su arte más allá de las fronteras de su tierra natal.
Hablo, por supuesto, de Sergei M. Eisenstein y “El acorazado Potemkin (1925)”, dos nombres que se han grabado en letras de oro en la cinematografía mundial.
Sergei M. Eisenstein
Esta obra, encargada al director por el estado, en conmemoración de uno de los primeros lances revolucionarios de 1905, un amotinamiento real acaecido en un buque ruso del mismo nombre, supone el gran salto de la manera de hacer por parte de los cineastas soviéticos, que establecieron unas reglas creadas por ellos mismos, deconstruyendo todo lo aprendido hasta entonces de las filmografías existentes en el mundo.
Aquí Eisenstein explota gran parte de su potencial, llevando al espectador a un estado de puro shock, con imágenes encadenadas de una manera endiablada, un ritmo enfervorecido y una significación explícita e implícita en cada fotograma.
Contando con actores de los grupos socialistas formados entonces, y por supuesto, con uno de los colaboradores más habituales del maestro, Grigori Aleksándrov, que le acompañaría en sus más grandes películas, la parte interpretativa en si misma, pasa a un segundo plano en lo que refiere a la individualidad como tal, siendo un mérito colectivo, llevando el ejemplo de la ideología soviet a su máxima expresión.
Grigori Aleksándrov
Hablemos de los apartados técnicos, pues entre ellos, la fotografía, es de especial mención, al cargo de esto, se encuentra el más grande cinefotógrafo soviético de la historia, Eduard Tissé, que armado con su sempiterna Debrie Parvo (su cámara predilecta), nos brinda algunos de los encuadres más famosos de todos los tiempos. A él debemos este aspecto técnico en la mayoría de las obras Eisenstenianas.
Eduard Tissé
Si hay una escena que define esta obra al completo, es la de las escaleras de la ciudad de Odessa, en la que la guardia de cosacos arremete brutalmente contra el pueblo alzado y contestatario, inolvidable la cara de la madre al llevar el cadáver de su hijo muerto, la de la anciana herida y sangrante, los inapelables pasos y cargas de disparos de los soldados.
Escena completa.
Los 192 escalones parecen ser inacabables, eternos en la angustiosa y cruel escena, todo ello gracias a la magia de la edición cinematográfica y por supuesto, a la aplicación de la “Teoría del montaje de las atracciones”. Dicha teoría, considerada uno de los mayores logros de la época, es hoy día casi impracticable, debido a su complejidad, densidad y enjundia, pues pocos se atreven con ella, a no ser aplicando algunos retazos muy leves, pero al fin y al cabo, algo es algo, y sólo su creador pudo llevarla a la práctica de manera exitosa, lo cual nos brindó uno de los legados fílmicos más señeros.
Otra de las escenas icónicas del film, y que siempre me viene a la memoria, es aquella en la que el pope ortodoxo del buque, en medio del motín, se escuda de los avances de los marineros tras su crucifijo, la imagen de su rostro, al igual que muchas otras de entre los marineros y demás caracteres aparecidos en los fotogramas, en unos primerísimos planos, forman parte de otra teoría de filmación, la del “Tipaz”, que pretendía exhibir de alguna manera las tipologías sociales, emparentando éstas con gentilicio concreto.
En sí misma, esta película es una obra claramente propagandística, claro está, pero, fuera de toda duda, hay que destacar que su verdadero valor, lo que atesora por encima de todo, es la enorme pureza técnica que destila, lo que nos muestra en torno a la capacidad del arte de la imagen en movimiento en cuanto a la asociación de ideas, la sugerencia de pensamientos mediante edición y emparejamiento de conceptos visuales, ese, y no otro, es el motivo por el cual esta obra es de una importancia medular en la historia.
Como anécdota os contaré que el suceso principal relatado en ella, el motín del buque, sucedió en realidad, en el año 1905, cuando la tropa de marinería de abordo, se negó a comer la sopa hecha con carne podrida, la mayor parte de lo relatado en el film pasó de esa manera, exceptuando algún recurso dramático a conveniencia de la acción en pantalla. Dicho amotinamiento acabó con el Potemkin en el puerto rumano de Constanza, donde arribaron los tripulantes para pedir asilo.
Os dejo la obra al completo, con el acompañamiento musical que me es más familiar, y que creo más acorde para ella, no hay problema en la exhibición, pues es de dominio público, como corresponde a una película de su importancia.
Espero que la disfrutéis, para mí fue de gran impacto verla la primera vez, tengo grabados en la memoria (que espero no perder nunca), muchos de sus momentos, que me parecen sublimes.
Un hilo larger-dan-life. Felicidades @Redios
Gracias, estás invitado a participar cuando lo desees.El mensaje está oculto porque el usuario está en tu lista de ignorados.