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  1. #1
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    El hilo de Ópera y Lírica.




    Viendo que no hay ningún hilo parecido, (solo he visto una plataforma de música clásica) me he decidido a abrir uno para acercaros éste género musical. Sé que para muchos no será bien recibido, tan sólo pido respeto, que no haya comentarios desvirtuados ni trolls. Dicho esto, sed bienvenidos y espero que sea del agrado de algún usuario.




    Ópera Garnier (París)


    ¿Qué es la Ópera?

    Según la wiki, la Ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:

    La música (orquesta, solistas, coro y director)
    La poesía (por medio del libreto)
    Las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza
    Las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura)
    La iluminación y otros efectos escénicos
    El maquillaje y los vestuarios


    Teatro San Carlos (Napoles)

    Géneros de ópera


    ¿Cómo empezar a escuchar ópera?

    No es aconsejable iniciarse simplemente comprando una entrada para la siguiente ópera que se represente en tu teatro más cercano.
    En primer lugar, no cualquiera es la mas indicada para iniciarse. Por otro lado, antes de disfrutar de una ópera se requiere algo de esfuerzo por tu parte. Previo a ir al teatro es preferible conocer la obra que se va a representar. Lo ideal es haberla "aprendido" antes. En otra palabras, conocer la historia y haber escuchado su música. Pero ese esfuerzo, te aseguro que se ve compensado con creces.


    Ópera de Vienna


    ¿cómo "aprender" una ópera?

    Aprender una ópera te garantiza una fuente de satisfacción y disfrute, tanto en el teatro como en tu casa oyendo las fabulosas grabaciones que existen de cada obra.
    1. Lee la sinopsis del primer acto. Sólo la de este acto, para tenerla muy presente cuando empieces a oír la música.
    2. Escucha el primer acto, leyendo al mismo tiempo el libreto. Fíjate en ambas la versión original y su traducción, de forma que poco a poco puedas ir asociando las palabras en idioma original a su significado. Conforme oyes y lees, imagina los escenarios, las situaciones y los personajes.
    3. Lee la sinopsis del segundo acto, e inmediatamente después escucha el acto con el libreto.
    4. Continúa así con cada acto.
    5. La segunda vez que escuches la ópera vuelve a hacerlo con el libreto. Para esta vez serás capaz de reconocer pasajes musicales, y captar más detalles que no captaste en a primera escucha






    La voz femenina




    --------------María Callas ---------------------------------- Victoria De Los Ángeles-------------------------------------- Anna Moffo-----------

    Según el tono de voz podemos distinguir:


    Soprano: es la voz más aguda y suele dividirse en los siguientes tipos:

    Ligera: si bien el volumen no tiene tanta importancia como en otros tipos de soprano, su extensión es la más amplia; voz idónea para realizar todo tipo de virtuosismos vocales, como son los ornamentos y adornos diversos.

    Doubrette: muy parecida a la anterior, aunque su timbre y tesitura suelen ser más graves.

    Lírico - ligera: voz intermedia capacitada para acometer gran parte de los papeles de sopranos ligeras y líricas.

    Lírica: más expresiva y con mayor volumen que las ligeras, no tiene, sin embargo, agudos tan firmes.

    Lírico - spinto: supera en potencia y expresión a la lírica.

    Dramática: posee unos graves más ricos que la lírico - spinto y el timbre es también más poderoso; cuando puede cantar ornamentos, se le suele llamar soprano dramática con agilidades.

    Falcon: voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano, casi equivalente a la mezzo ligera.

    Mezzosoprano: de timbre rotundo y bastante más grave que el de la soprano, puede acometer agilidades muy complicadas. Suele dividirse en dos grupos:

    Mezzo ligera: casi equivalente a la soprano dramática con agilidades y a la soprano falcon; debe estar capacitada para resolver agilidades auténticamente virtuosas.

    Mezzo dramática: casi equiparable a la soprano dramática, aunque sus graves son mucho más ricos y potentes.

    Contralto: es la voz femenina más grave. De singular rareza, supera a la mezzo dramática en la potencia de sus graves. A veces puede hacer agilidades. En Alemania, país donde más se ha subdividido y estudiado la clasificación de la voz, se suele distinguir la contralto cómica, con capacidad para cantar ornamentos (conocida en otra época en Italia como contralto buffa) de la dramática.





    Artistas Femeninas

    (en construcción)

    Maria Callas (Post #28)





    La voz masculina



    ---------------Franco Corelli----------------------------------Alfredo Kraus-----------------------------------Enrico Caruso-----------------



    Tenor: es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en:

    Ligero: voz muy ágil capacitada para una perfecta vocalización y para entonar agilidades.

    Cómico: equiparable al anterior. En Francia también se le conoce como tenor trial.

    Lírico: de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz que los tipos anteriores.

    Lírico - Spinto: de mayor potencia y expresión que el tenor lírico. Cuenta con el repertorio más amplio de esta cuerda.

    Dramático: de gran potencia en la octava central y en los graves; pobre en los agudos.

    Barítono: voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca cuenta con agilidades.

    Ligero o cantante: voz atenorada en los agudos; graves no muy potentes.

    Buffo: muy parecido al anterior.

    Bajo Verdi: característico en las óperas maduras de Verdi. Debe poseer agudos brillantes y graves aterciopelados.

    Barítono - Bajo: voz de color oscuro que, sin embargo, puede emitir agudos brillantes. En Alemania, además, se considera como un tipo aparte el llamado bass-bariton.

    Bajo: es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene que acometer agilidades más bien difíciles.

    Cantante: además de poseer un timbre relativamente ligero, debe resolver agilidades.

    Helden: equivalente al barítono bajo.

    Profundo: octava grave muy rica, agudos firmes.

    Caractère y Hoher: tipos de voces que no se usan fuera de los repertorios francés y alemán. El primero está cercano al cantante y el segundo es un profundo corto.





    Artistas Masculinos

    (en construcción)


    Enrico Caruso (Post #18)





    Más Info





    ¿Dónde ver Ópera?




    Otros enlaces de interés.







    VIDEOS



    OPERAS ENTERAS PUBLICADAS

























    ARIAS PUBLICADAS










    Última edición por Azure_Fy; 03/03/2016 a las 04:01

  2. #2
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    Os dejo un aria de la obra "Pagliacci"(payaso), de Ruggiero Leoncavallo. En la voz del tenor Lucciano Pavarotti.

    Es el final del primer acto, donde el payaso Canio (Pagliaccio) descubre la infidelidad de su esposa, pero se ha de preparar para un espectáculo que debe continuar.



    Texto en Italiano
    Recitar! Mentre preso dal delirio,
    non so più quel che dico,
    e quel che faccio!
    Eppur è d'uopo, sforzati!
    Bah! Sei tu forse un uom?
    Tu se' Pagliaccio!

    Vesti la giubba,
    e la faccia infarina.
    La gente paga, e rider vuole qua.
    E se Arlecchin t'invola Colombina,
    ridi, Pagliaccio, e ognun applaudirà!
    Tramuta in lazzi lo spasmo ed il pianto
    in una smorfia il singhiozzo e 'l dolor, Ah!

    Ridi, Pagliaccio,
    sul tuo amore infranto!
    Ridi del duol, che t'avvelena il cor!

    Texto en Español
    Recitar ! Mientras soy preso del delirio,
    Mas no sé lo que digo,
    y lo que hago!
    Y, sin embargo, tienes que hacerlo, esfuérzate !
    ¡Bah! ¿Acaso no eres un hombre?
    Tú eres ' Payaso !

    Ponte el traje,
    y el empólvate la cara.
    La gente paga, y quieren reír.
    Y si Arlequín te quita a Colombina,
    rie, Payaso , y todo el mundo aplaudirá !
    Transforma en risa.... El sufrimiento y el llanto
    en una mueca las lágrimas y el dolor ' , Ah !

    Rie payaso!
    sobre tu amor destrozado !
    Rie del dolor, que envenena tu corazón !
    Última edición por Azure_Fy; 11/11/2015 a las 16:21

  3. #3
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    Gran idea. Enhorabuena @Azure_Fy. Genial esa portada de uno de los escenarios del Palais Garnier, me encanta!.

    Dejo algo con la intención de editarlo mañana para ampliarlo, cuando disponga de tiempo libre, por hoy se terminó mi tiempo de ocio.
    De momento dejo el video sobre el que quiero desarrollar. No es novedoso, es un fragmento por todos conocido, más quiero que sea mi primera aportación a este nuevo proyecto en nuestro subforum... ciertamente este FP vale lo que vale por los hilos de buenas temáticas que hay en sus subforums.

    Dueto de Les Fleurs, de la Opèra Lakmé de Léo Delibes (año 1883)

    ____ Hoy, 13/11/2015. Edito para completar mi idea inicial.


    Opéra "Lakmé", de Leo Delibes.

    UN LIBRO:
    Pierre Loti (*1850, Rochefort - †1923 Pirineos Atlánticos), un escritor francés et oficial de la Marina francesa, en el año 1880 escribió una novela de título "Rarahu ou le Mariage" (Rarahu o la Boda).

    Pierre Loti / Rarahu ou le Margiage




    DOS ARREGLISTAS PARA UN LIBRETO:
    Philippe Émile François Gille et Edmond Gondinet, libretista de opera el primero, dramaturgo el segundo, crean el Libreto de una ópera de tres actos en base a la novela de Pierre Loti.
    (Pequeño inciso: cuando en Musique se habla de 'libreto' se refiere a un texto literario, casi siempre en verso, que complementa una obra musical, ya sea ópera, oratorio y/o musical. El libreto contiene los diálogos cantados, así como cualquier pasaje hablado, además de las indicaciones de puesta en escena)

    Philippe Émile François Gille et Edmond Gondinet




    UN COMPOSITEUR:
    Clément Philibert Léo Delibes, conocido como Léo Delibes (*1836, La Flèche - †1891, Paris) es un compositeur français. Estudió en el Conservatoire de Paris, se formó en el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. A lo largo de su vida compuso tres Ballet, seis Óperas, otras seis Operetas, además de un par de obras vocales de envergadura: una Cantata et una Misa. Cultivó también la denominada "Chanson d'Epoque" (Canción de Época)
    Como anecdótico señalar que el gran Piotr Ilitch Tchaïkovsky admiraba las composiciones para Ballet de Léo Delibes.

    Léo Delibes




    LA OBRA:
    Lakmé. Se estrena en el año 1883, en l'Opéra-Comique de Paris


    Théâtre national de l'Opéra-Comique. La France, Paris.



    SOBRE LAKMÉ:
    La historia está ambientada a finales del siglo XIX, bajo el dominio británico en la India.
    Muchos hindúes fueron obligados por los británicos a practicar su religión en secreto.




    Sus personajes:
    Gérald, officier britannique (ténor) / oficial británico (tenor)
    Frédérick, officier britannique (baryton) /oficial británico (barítono)
    Nilakantha, prêtre brahmane (baryton ou basse chantante) /brahmán sacerdote (barítono o bajo-barítono)
    Lakmé, fille de Nilakantha (soprano) /hija de Nilakantha (soprano)
    Mallika, servante de Lakmé (mezzo-soprano ou contralto) / sierviente de Lakmé (mezzo-soprano o contralto)
    Hadji, servant hindou (ténor) /serviente hindú (tenor)
    Ellen, fille du gouverneur (dugazon) / hija del gobernador (dugazon)
    Rose, amie d'Ellen (soprano) / amiga de Ellen
    Mistress Benson, gouvernante d'Ellen (mezzo-soprano) / institutriz de Ellen

    Stances chantées par Monsieur Cobalet, interpretando a Nilakantha.



    Su argumento, los tres actos:



    Acto I. Jardín exuberante, con un río al fondo.
    Le Duo des fleurs ou Sous le dôme épais / Dueto de las flores o Bajo la espesa cúpula



    El sacerdote Nilakantha está peparando una procesión que en el fondo es una señal que desatará una venganza contra los ingleses, a pesar de que está prohibida la práctica de su religión.

    Su hija Lakmé es sacerdotisa del templo que se encuentra oculto en un sombrío jardín. Nilakantha se va a la ciudad y deja a su hija Lakmé en el jardín. Lakmé se va con su esclava Mallika a buscar la flor de loto azul. Deja sus joyas en el jardín.
    Mientras las muchachas estan fuera, entran en el jardín un grupo de ingleses: Gérald, Fréderic, Ellen y Rose, acompañados por Mrs. Benson. Fréderic advierte que es peligroso estar en ese lugar, puede molestar a algún sacerdote brahmán, además dice que en los árboles crecen frutos venenosos.

    Los ingleses saben que Lakmé, vive en ese lugar, ya que es una mujer que es conocida en la ciudad. El grupo se aleja, pero Gérald se queda un poco rezagado dibujando las joyas que Lakmé ha dejado en el jardín.

    Lakmé regresa y se intranquiliza al ver al joven inglés y le advierte que es peligroso para él estar en ese lugar. Sin embargo, Gérald se enamora inmediatamente de ella, y a Lakmé tampoco le es indiferente Gérald. Oye llegar a su padre yGérald huye. A pesar de ello, Nilakantha se da cuenta y promete vengarse.


    Acto II. Mercado de un pueblo.
    Où va la jeune indoue? / Dónde va la joven indú?



    Los ingleses e hindues comparten el espacio sin problemas paseando por el mercado. Cuando cierran las tiendas, salen las bayaderas del templo y Nilakantha, disfrazado de penitente, hace cantar y bailar a Lakmé, esperando que esto atraiga a Gérald, y lo pueda capturar. Sin embargo, Gérald no acude hasta que lakmé cae rendida por el esfuerzo de cantar y bailar. Nilakantha se lleva a su hija y Fréderic hace lo mismo con Gérald, que persiste en su idea y vuelve a busar a Lakmé.

    La joven le dice que si la quiere y no desea tener problemas debe adoptar su fe, esto hará que esté libre de todo peligro. También le dice que pueden encontrarse seguros en un lugar del bosque.

    Las mujeres inglesas están viendo la procesión que llega. Fréderic le dice a Gérald, que su regimiento parte al día siguiente de la ciudad. Gérald no atiende, sólo ve a Lakmé. En un momento, los componentes de la procesión rodean aGérald y Nilakantha lo hiere gravemente. Hadji, obedeciendo a Lakmé se lleva al herido a un sitio seguro.


    Acto III. Jardín con una cabaña de bambú.
    Sous le ciel tout étoilé / Bajo el cielo lleno de estrellas



    Gérald y Lakmé están en el bosque y deciden que vivirán ahí, en una casa de bambú. Se oyen los cantos de los jóvenes que van a beber el agua sagrada que los une en matrimonio. Lakmé decide que irá a buscar un vaso de esa agua para unirse para siempre con Gérald.
    Fréderic ha encontrado a su amigo, y le advierte de lo que puede suponer para su vida y su carrera, el unirse para siempre con la joven hindú. Le habla de Ellen, pero eso no hace cambiar de idea a Gérald, pero sí el recuerdo de su regimiento.

    Lakmé regresa con el agua sagrada, y advierte que la actitud de Gérald es otra. Oyen de lejos los cantos de las tropas, yLakmé comprende que no puede vencer al amor que siente Gérald por su patria. Él le jura que se quedará con ella, mientras el joven habla, ella muerde una flor venenosa y entra en agonía. Llega Nilakantha que sigue queriendo matar al joven, pero Lakmé le dice que han bebido el agua sagrada, de modo que el sacerdote no puede atacar al inglés. MuereLakmé y Gérald se va con su regimiento.

    Partition de Musique. Leo Delibes/Lakme. C'est le dieu de la jeunesse"



    RESUMEN del argumento:
    A finales del siglo XIX, durante la colonización británica de la India, muchos de los habitantes locales fueron obligados a practicar su religión en secreto. Gerald, un oficial inglés, entra sin querer a un templo secreto hindú. Ahí encuentra a Lakmé, hija de Nilakantha, principal sacerdote del templo. Gerald y Lakmé se enamoran al instante. Nilakantha se entera del allanamiento al templo por parte de Gerald y busca vengarse de la referida profanación. En el bazar, Nilakantha hace que Lakmé cante con el fin de identificar al oficial Gerald. Una vez que lo reconoce, Nilakantha lo apuñala, dejándolo malherido.
    Lakmé lo recoge y lo lleva a un escondite donde lo atiende durante su recuperación. Mientras Lakmé busca agua sagrada para confirmar su amor con Gerald, Frederic, otro oficial inglés, encuentra a Gerald y le recuerda sus deberes como miembro del regimiento. Cuando Lakmé regresa, se da cuenta de que, debido a las palabras de Frederic, Gerald ha cambiado y su amor se ha perdido. Ella prefiere morir con honor que vivir en desamor. Se suicida comiendo una hoja de datura.


    Un video más, está muy guapo de ver. Es el dueto de las flores, correspondiente a una de las séquences du film musical d'animation L'Opéra Imaginaire.






    (no la encontré subtitulada)



    C'est le fin. : )


    Última edición por Enûma Elish; 13/11/2015 a las 15:47 Razón: Completar lo que dejé sin desarrollar.

  4. #4
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    Os dejo la romanza final de Canio en "Pagliaccio" de Leoncavallo.

    La entrada en escena como Pagliaccio es el fin de la ópera. La realidad empieza a sobrepasar a la ficción. Ante el público atónito, Pagliaccio desaparece para que Canio se muestre como tal ("Pagliaccio non sono...") con una actitud tan despiadada ante Nedda ("Sperai, tanto il delirio") que le exige que revele el nombre de su amante. Nedda trata de seguir con su papel de Colombina y seguir con la comedia pero el intento es infructuoso ya que Canio ya está lleno de ira y dispuesto a matarla. Silvio, que ha sido el único en el público que pensaba que la escena no era de ficción, intenta salvarla pero sólo logra ponerse a tiro de Canio, que también lo mata. Con un terrible e irónico "La commedia è finita", concluye la ópera mientras el telón baja ocultando los cuerpos inertes de los dos amantes.

    No os pongo el texto pues lleva subtitulos italiano y español.


  5. #5
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    Y para quien quiera disfrutarla aquí os la dejo entera con subtitulos en español.

    Canio - Plácido Domingo
    Nedda - Elena Mauti-Nunciata
    Tonio - Benito Di Bella
    Silvio - Lorenzo Saccomani
    Beppe - Piero De Palma
    Director - Olivero Di Fabritiis
    NHK Hall de Tokio, 1976.


  6. #6
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    Mola, de ópera estoy muy flojo, pero es una afición que me gustaría atender más.

  7. #7
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    Directo desde le Champ-de-Mars, un día muuy especial, un 14 juillet de 2013.

    L'Orchestre National de France conducida par Daniele Gatti.

    De la Ópera de Giuseppe Verdi, "Nabucco", de su III acto, "Va, pensiero" / "Va, pensamiento".

    Uno de los coros de música de opéra, quizá el más conocido, para mí el más grande. Verdi compuso su musique, la letra es de Temistocle Solera, él desarrolló el libreto inspirado en el Salmo 137 Super flumina Babylonis. Canta la historia del exilio hebreo en Babilonia tras la pérdida del Primer Templo de Jerusalén.






    Don Gioacchino Rossini definió estos coros como "Una grande aria cantata da soprani, contralti, tenori, bassi"

  8. #8
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  9. #9
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    Hoy os dejo un fragmento de la ópera "LA TRAVIATA" de Verdi, que poco a poco os iré comentando.
    Se trata del famosísimo "Brindisi" (brindis en italiano) también conocido como «Libiamo ne'lieti calici» (Bebamos alegremente de este vaso).

    Pertenece al Acto I de la ópera, en casa de Violetta Valéry, y está cantado por Alfredo Germont y Violetta. Alfredo es un joven enamorado de Violetta. La escena es una fiesta nocturna en casa de Violetta. Gastone, amigo de Alfredo, convence a éste y a Violetta de que alardeen de su voz ccantando éste brindis.



    Video subtitulado en italiano y espanol.

  10. #10
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  11. #11
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    Os dejo ahora otra de las arias más famosas de LA TRAVIATA de Verdi. Ésta vez en la magnífica voz de María Callas. Pertenece al Acto II.

    Recordemos brevemente lo que sucede antes de esta dramática escena. Giorgio Germont, padre de Alfredo, ha ido a hablar con Violetta para exigirle que abandone a su hijo, ya que esta relación es un lastre para la familia, en concreto para su otra hija. La sociedad no aceptaría emparentar con una familia que tuviera entre sus miembros a una mujer con el pasado de Violetta (cortesana). Ésta, muy a su pesar y con gran dolor, accede a la petición del viejo Germont y se prepara para despedirse de Alfredo.

    Violetta empieza a escribir una carta de despedida para Alfredo. En ese instante un melancólico clarinete describe perfectamente el dolor que ella siente. Alfredo entra y la sorprende escribiendo, y las cuerdas de la orquesta, como auténticas cuchilladas van aumentando el volumen, generando un clima de tensión, y creciendo a la par que crece su dolor. Alfredo no sabe que su padre ya se ha entrevistado con Violetta y ella se ve obligada a fingir, simulando que las lágrimas que vierte y que extrañan a Alfredo son una muestra de la felicidad que siente y que la desborda, le dice que serán felices ya que él la ama. Llegado este momento, el dolor que Violetta siente se traduce en el desgarrador "Amami, Alfredo."



    Texto


    Traducción
    Última edición por Azure_Fy; 18/11/2015 a las 17:22

  12. #12
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    "LA TRAVIATA"

    Traducido del italiano sería "La extraviada" ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi
    y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852) aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral llamada Violetta que a su vez está basada en la vida de una cortesana parisiense, Alphonsine Plessis.

    Argumento.
    Desarrolada en París y sus afueras, en la época alrededor de 1850.

    Dividida en tres actos con estructura tradicional: presentación, desarrollo y desenlace. La ópera estágira en torno a la protagonista, Violeta Valery, a diferencia de la novela de Alejandro Dumas centrada en su amante Alfredo Germont.



    Acto I
    El salón en casa de Violeta


    Acto II
    Desarrollo





    Acto III




    Os dejo LA TRAVIATA entera, subtítulos en español.

    Violetta-Stefania Bonfadelli
    Alfredo-Scott Piper
    Germont-Renato Bruson (Maravillosa actuación de Bruson como Germont y su aria "Di Provenza il mar")
    Dirección-Placido Domingo


  13. #13
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    Cavalleria Rusticana, me parece la mejor ópera para empezar junto con la Boheme. Es corta y entretenida, lo mejor leerse el argumento antes de verla, o incluso el libreto.



    http://www.kareol.es/obras/cavalleria/actos.htm

  14. #14
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    Necesito ponerme con ella a más no tardar.

  15. #15
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    "LA BOHÈME"



    Ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica.

    La historia se ambienta en París en el período alrededor del año 1830. Trata el amor entre la modista llamada Mimí y el poeta Rodolfo. Se enamoran nada más conocerse, pero Rodolfo más tarde quiere dejar a Mimí por su comportamiento coqueto. Sin embargo, Mimí está mortalmente enferma y Rodolfo se siente culpable, pues su vida juntos ha empeorado su salud aún más. Se unen de nuevo por un breve momento antes de que ella muera.


    Acto I

    En la buhardilla de los cuatro bohemios



    La ópera se inicia en una buhardilla en el Barrio de Montmartre, París, el día de Nochebuena. Marcello, pintor, y Rodolfo, el poeta están desesperados por el frío que “inunda” la habitación y que provoca que Rodolfo recurra a quemar sus escritos en la chimenea. En éstas, llega Colline, el filósofo del grupo, que pretende empeñar algunos libros porque la pobreza les atosiga pero que no consigue al estar en estas fechas navideñas (“Già dell’Apocalisse appariscono i segni. In giorno di Vigilia no s’accettano pegni! / Ya aparecen las señales del Apocalipsis. En Nochebuena no se aceptan empeños).
    Cuando la llama de la chimenea termina de apagarse, aparece Schaunard, el músico, con comida, leña, y, sobre todo, dinero, de un cliente que le ha contratado. Después de convencerles de que deben de dejar la comida para otra mejor ocasión y acudir al Barrio Latino para disfrutar de estas fiestas, llega el casero recordándoles que deben de pagar el alquiler. Estos le invitan a tomar vino y prometen pagarle pero rogándole que se quede un tiempo. La conversación con el casero acaba con los cuatro bohemios echándole de “esta honesta casa” al hablar de la supuesta infidelidad del casero. Pero el verdadero momento emotivo es la escena del dúo entre Rodolfo, que se había quedado sólo para terminar un artículo y Mimì, una vecina que había acudido a su casa a encender la vela que se le había apagado. Ambos quedan prendados al mirarse y es ahí cuando empieza el verdadero dúo, aquel en el que él coge la fría mano de ella mientras buscaban la llave que ella había perdido en la casa y canta ese célebre ”Que gelida manina” cuyo tono melódico sólo es superado por la aria siguiente que canta Mimì ”Sì, mi chiamano Mimì” . Pero el mejor momento está por venir: aquel en que los dos acaban rendidos a ese amor nacido en ellos y que remata el acto (“O soave fanciulla”) y ese “amor,...amor,....amor” que ambos cantan cuando, juntos, se van de la buhardilla, camino del Barrio Latino.


    ”Sì, mi chiamano Mimì”


    “O soave fanciulla”



    Acto II

    En el Barrio Latino de París



    Por las calles hay una gran multitud, junto con niños, que se divierten, mientras los vendedores callejeros vociferan sus productos (coro: Aranci, datteri! Caldi i marroni! / "¡Naranjas, dátiles! ¡Castañas calientes!"). Aparecen los amigos, animados; Rodolfo le compra a Mimí un sombrero rosado. Los parisinos cotillean con sus amigos y regatean con los vendedores; los niños de las calles claman por ver las mercancías de Parpignol, el juguetero. Los amigos entran en el Café Momus.
    Mientras los hombres y Mimì beben y comen en el café, aparece Musetta, ex de Marcello, acompañada de su rico (y envejecido) admirador, el ministro del gobierno, Alcindoro, a quien ella trata como si fuera un perrillo faldero. Queda claro que se ha cansado de él. Ella intenta de varias maneras llamar la atención de Marcello, y lo logra cantando una sensual aria dedicada fingidamente a su nuevo amante, que hace las delicias de los parisinos y avergüenza a su patrón (vals de Musetta: Quando m'en vò / "Cuando voy"). Pronto Marcello arde de celos. Para librarse un poco de Alcindoro, Musetta finge un dolor en un pie, por culpa del zapato que le aprieta demasiado, y hace que Alcindoro vaya a buscarle un nuevo par. Durante la confusión que sigue, Musetta aprovecha para reunirse con su amado Marcello y se reconcilian.

    Cuando los bohemios deciden pagar la cuenta para marchar, encuentran que Schaunard no tiene suficiente dinero y, siguiendo una sugerencia de Musetta, deciden cargar la cuenta a Alcindoro. Soldados desfilan en la calle, y aprovechando la confusión, Marcello y Colline llevan a Mussetta en brazos y huyen, bajo la risa cómplice de los espectadores. Cuando se han ido todos, Alcindoro llega con el par de zapatos buscando a Musetta. El camarero le entrega la cuenta y, horrorizado por el importe, Alcindoro se hunde en una silla.

    "Quando m'en vo"



    Acto III

    En la aduana de Enfer



    Los vendedores ambulantes pasan la barrera y entran en la ciudad. Entre ellos está Mimí, tosiendo violentamente. Intenta encontrar a Marcello, quien vive en una pequeña taberna cercana donde él pinta anuncios para el tabernero. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (aria: O buon Marcello, aiuto! / "¡Oh, buen Marcello, ayuda!"). Marcello le cuenta que Rodolfo está durmiendo en la taberna donde él vive también. Rodolfo, que acaba de despertar y busca a Marcello, entra en escena. Mimí rápidamente se oculta y oye a Rodolfo decirle primero a Marcello que ha abandonado a Mimí debido a que es demasiado coqueta con otros hombres, pero luego confiesa que él tiene miedo de que ella esté consumiéndose lentamente por una enfermedad mortal (muy probablemente tuberculosis, conocida por la palabra comodín "consunción" en el siglo XIX). Rodolfo, en su pobreza, poco puede hacer por ayudar a Mimí y decidió fingir no amarla más para que ésta se olvide de él y se vaya a vivir con otro hombre que pueda proporcionarle un modo de vida más confortable (¡Mimí e tanto malata! / "¡Mimí está tan enferma!"). Marcello, preocupado por Mimí intenta hacerle callar, pero ella ya lo ha escuchado todo y se descubre a sí misma cuando tose violentamente. Marcello les deja para volver con Musetta. Rodolfo y Mimí cantan a su amor perdido. Planean separarse amistosamente (Mimí: Donde lieta usci / "Donde feliz salí"), pero su amor mutuo es demasiado fuerte. Llegan a un compromiso: deciden permanecer juntos hasta que llegue la estación de las flores, la primavera, cuando el mundo revive de nuevo y nadie se siente verdaderamente solo. Mientras tanto, Marcello se ha unido con Musetta, y en la distancia se escucha su feroz discusión: un contrapunto opuesto a la reconciliación de la otra pareja (cuarteto de Mimí, Rodolfo, Musetta, Marcello: Addio dolce svegliare alla mattina! / "Adiós, dulces despertares por la mañana!").


    "¡Mimí e tanto malata!"



    Acto IV

    Nuevamente en la buhardilla



    Marcello y Rodolfo parecen trabajar, aunque están principalmente lamentándose por la pérdida de sus respectivas amadas (dúo: ¡O Mimì!, ¡Tu più non torni! / "¡Oh Mimí, no regresarás!"). Schaunard y Colline entran con una cena muy frugal, que consiste de algo de pan y un arenque, y los cuatro parodian un delicioso banquete, cantando y bailando (Gavota!). Musetta entra alarmada con noticias: Mimí, que aceptó a un vizconde después de dejar a Rodolfo en la primavera, ha dejado a su protector. Musetta la ha encontrado vagando por las calles, muy debilitada por su enfermedad, y se la ha traído consigo a la buhardilla. Todos ayudan a la chica, demacrada y pálida, a sentarse en una silla. Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas, y Colline sale para empeñar su abrigo (Vecchia zimarra, senti / "Viejo abrigo, escucha"). Schaunard, instado por Colline, se marcha calladamente para dejar a Mimì y Rodolfo tiempo juntos. Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (dúo de Mimí y Rodolfo: Sono andati? / "¿Se han ido?"). Recuerdan su primer encuentro —las velas, la llave perdida— y, para placer de Mimí, Rodolfo le entrega el sombrerito rosado que él le compró a ella y que ha conservado como un recuerdo de su amor. Regresan todos, con un manguito como regalo para calentar las manos de Mimí y alguna medicina. Le dicen a Rodolfo que han llamado al médico. Se postran a los pies de la cama, Musetta reza una plegaria, y Mimí, inadvertidamente, queda inconsciente. Mientras Musetta reza, Mimí muere. Schaunard descubre a Mimí sin vida. Rodolfo cae en cuenta y grita ¡Mimí...! ¡Mimí...! angustiado, y llora sin poder contenerse.

    "Sono andati?"




    Curiosidades

    Según la revista "Opera América", durante los últimos diez años "La Bohème" ha sido la ópera más representada en el mundo. Entró en el repertorio del Metropolitan Opera House el 9 de noviembre de 1900 y la pasada temporada alcanzó las 1,165 representaciones. Al finalizar este año, este total ascenderá con las 13 funciones programadas para antes de diciembre.


    Os dejo la ópera completa con subtitulos en español.

    Rodolfo - Marcelo Álvarez
    Schaunard - Natale de Carolis
    Benoit - Matteo Peirone
    Mimi - Cristina Gallardo Domas
    Marcello - Roberto Servile
    Colline - G. Battista Parodi
    Alcindoro - Angelo Romero
    Musetta - Hey-Kyung Hong
    Parpignol - Alberto Fraschina


  16. #16
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    No me llama mucho la ópera, pero dejo mis dies por la currada que llevas.

  17. #17
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    No me llama mucho la ópera, pero dejo mis dies por la currada que llevas.
    Gracias hamijo. Nunca es tarde para empezar.

  18. #18
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    Voy a inaugurar la sección de artistas masculinos con el mejor tenor de la historia, señoras y señores, el Sr. Enrico Caruso.





    ENRICO CARUSO



    Enrico Caruso (B. Errico Caruso) nació el 25 de febrero de 1873, en Nápoles, Italia e, el seno de una familia pobre. Tercero de siete hermanos, su padre fue tenor Marcelino Caruso, su madre murió cuando él tenia 15 años. Durante su infancia Enrico apenas recibió educación primaria y estudió muy brevemente música con el profesor Vicenzo Lombardini.

    Caruso hizo su debut operístico el 16 de noviembre 1894, en el Nuevo de Nápoles, en el estreno de ' amigo Francis F. Morelli. Al principio tiene que lidiar con algunas dificultades en la clasificación de la línea, de hecho, algunas limitaciones en el registro agudo, y las dudas sobre la verdadera naturaleza del tema, con el fin de sugerir un barítono más que un tenor, lo mantuvo alejado de los grandes teatros. Después de una restricción de dos años en el circuito italiano del sur, hizo una prueba para Giacomo Puccini en el verano de 1897. Puccini buscaba un tenor principal para una actuación del 'La Boheme' en Livorno. Puccini quedó impresionado con la belleza y el tono de la voz del Caruso joven. Después de una recepción hostil de su actuación en Nápoles, Caruso juró nunca cantar en Nápoles otra vez, y él nunca lo volvió a hacer.

    Su primer papel principal de las creaciones estaba en las óperas 'IL Voto', compuesto por Umberto Giordano, el 10 de noviembre de 1897, y 'L'Arlesiana' por Francesco Cilea el 27 de noviembre de 1897, en los di Milano de Teatro Lirico. La estación próxima Caruso comenzó con una creación del papel en 'Fedora', compuesto por Umberto Giordano, realizado en la misma etapa el 17 de noviembre de 1898. Su primer contrato de la grabación fue firmado en 1902, en Londres, con el Gramophone y Typewriter Company para diez arias al índice de 10 libras por toma.

    En mayo de 1902, Caruso debutó en la ópera de Covent Garden con 'Rigoletto' de Giuseppe Verdi. Con la ayuda del banquero Pasquale Simonelli, Caruso fue a Nueva York. Allí hizo en el Metropolitan Opera su debut en noviembre de 1903. Fue primer tenor del Metropolitan de Nueva York durante 17 años, haciendo 607 aspectos en 37 diversas producciones operísticas.

    Caruso fue la primera estrella de la grabación en la historia, que vendió más que millón de discos con su grabación 1902 de 'Vesti le gubba' de 'Pagliacci' (payaso) por 'Leoncavallo'. Su voz de timbre dulce, lleno de colorido, increíblemente expresiva, con un color casi de barítono con las calidades lisas y brillantes de tenor. Su gama fue ensanchada en barítono a expensas de las notas más altas del tenor. Con inigualable dominio técnico de la voz, el inconfundible legato, las inflexiones ricas, la sensualidad del fraseo, se unía el intérprete comunicativo, sincero. Su grabación legendaria 1904 de 'Una furtiva lagrima', por Gaetano Donizetti se utiliza en muchas bandas sonoras de películas.

    Caruso era fumador de dos paquetes de cigarrillos egipcios al día y en el mes de agosto de 1920, comienza a padecer de tos pertinaz y malestares, en lo que en principio fue diagnosticado como neuralgia intercostal (dolor a lo largo de los nervios intercostales.), tras una serie de cirugías fracasadas, erróneos diagnósticos y tratamientos (*) Enrico Caruso moría el 2 de agosto de 1921, a 48 años de edad en Nápoles, Italia.

    (*) Os dejo "MUERTE DE ENRICO CARUSO, HISTORIA DE UN ERROR MÉDICO" del Dr. Gerardo de la Llera Domínguez, Facultad de Ciencias Médicas General Calixto García (La Habana, Cuba)




    Otro enlace de interes sobre Caruso.
    http://enricocarusomuseum.com/
    http://tenorenricocaruso.blogspot.co...al-caruso.html

    Libro biográfico
    http://www.ebay.com/itm/Francis-Robi...3D311438624027

    Info
    http://iopera.es/el-gran-caruso/
    https://es.wikipedia.org/wiki/Enrico_Caruso
    http://encolombia.com/medicina/revis...202-enfmuerte/
    Última edición por Azure_Fy; 28/11/2015 a las 12:17

  19. #19
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    Gran hilo @Azure Fy, lo sigues engrandeciendo et enriqueciendo a cada edición de tu mensaje inicial.
    Es un plaisir este hilo, non solo acústico, también visual. Gracias. : )

    Dejo algo de Caruso, aprovechando tu mensaje anterior con su presentación, la Romanza nº5 de las seis totales de Tchaikovsky. Su Op 6, de título Pourquoi? (¿Por qué?).
    En la descripción del video leemos que la grabación data de noviembre del año 1916, mais me atrevo a decir que su sonido no es el original de fonógrafo ni gramófono al uso, sino que se trata de un audio vinilo posterior, casi con seguridad que grabado el vinilo de un original de fonógrafo.



    Dejo un segundo video que sí creo se reproduce desde fonógrafo, para escuchar la diferencia, para disfrutar doblemente de Caruso.
    Esta grabación corresponde al aria "M'apparì tutt'amor" de la Ópera del alemán Friedrich von Flotow de título "Martha o la feria de Richmond", representada por primera vez en 1844, en la Salle Le Peletier de Le Ballet de l'Opéra national de Paris.


  20. #20
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    Aquí Leck mich im Arsch, en español: "Lámeme el culo"



    puto Mozart xdxd

  21. #21
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    Werther

    Drame Lyrique de Jules Massenet




    Jules Massenet asistió en 1886 a una representación de Parsifal (Wagner) en Bayreuth, al regreso, visitó la localidad bávara de Weltzel, donde Goethe había escrito su obra "Los sufrimientos del joven Werther". Al leer un ejemplar de dicha obra quedó tan arrebatado por ella que se propuso abordar la composición de una ópera basada en dicha historia.


    El sentimiento puramente francés, típicamente parisino de Massenet, se encuentra íntegro en toda su producción, incluso en este germánico Werther, derivado de la famosa novela de Goethe.



    UN LIBRO.

    "Las cuitas del joven Werther" es una novela épistolaire de Johann Wolfgang von Goethe. Escrita en su langue natal, el alemán. Su primera edición data del año 1774, el libro fue publicado de forma anónima y apareció en l'automne de ese año, con motivo de la Feria del Libro de Leipzig. Fue el revisada et ampliada cuando fue publicada en 1787.


    Die Leiden des jengen Berthers / Las Cuitas del joven Werther




    Johann Wolfgang von Goethe, grabado original de Carl August Schwerdgeburth (1879)





    TRES LIBRETISTAS.

    El libreto es de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann,

    Édouard Blau (*1836, Blois - †1906 Paris). Libretista et dramaturgo francés. Es reconocido por los folletos del Cid y Werther de Jules Massenet, Le Roi d'Ys de Édouard Lalo, Rédemption, poème symphonique de César Franck, Don Rodrigue, la opéra de Georges Bizet, Le Paradis perdu de Théodore Dubois, et algunas obras más de menor renombre.

    Paul Milliet (*1855 Río de Janeiro - † 1924 Paris). Es un libretista et dramaturgo francés, conocido por sus folletos de Herodías et Werther de Jules Massenet. También adaptó obras de Benito Pérez Galdós, de Víctor Hugo, de Alfred Bruneau, de Pietro Mascagni et su Cavalleria rusticana, por ejemplo.

    Georges Hartmann (*1843, Paris - †1900 Paris). Es un editor de musique, et libretista français, de seudónimo "Henri Grémont". Hijo de editor también, heredero del negocio familiar. Editor exclusivo de las obras de Jules Massenet. Además publica algunas obras de Georges Bizet, César Franck, Camille Saint-Saens et Paul Lacombe.

    Édouard Blau - Paul Milliet - Georges Hartmann





    Livret - Libreto




    Libreto. Français/Castellano.



    UN COMPOSITEUR.

    Jules-Émile-Frédéric Massenet (*Montand 1842 - †París 1912)

    Compositor francés, autor de oratorios, cantatas, obras instrumentales y suites orquestales. Nació en Montand, cerca de St. Étienne, se formó en el Conservatorio de París, donde estudió piano con Adolphe Laurent, armonía con Henri Reber y composición con Ambroise Thomas.

    Entre 1878 y 1894 trabajó como profesor de composición en este conservatorio, aunque su popularidad se debe sobre todo a sus óperas de temas sentimentales con melodías sensuales y elegantes. Su obra más importante es la ópera Manon (1884) (con libreto de M. de Meilhae y G. Gille, basada en la novela Manon Lescaut del novelista francés Antoine François Prévost d'Exiles), presente en el repertorio musical actual. Otras óperas suyas son Hérodiade (1881), Le Cid (1885), Werther (1892), Thaïs (1894) con su famosa "Meditation", y Don Quichotte (1910). La "Elégie" forma parte de una partitura compuesta en 1873 para acompañar a la obra Les Erinyes del poeta francés Leconte de Lisle. Otras composiciones orquestales de Massenet son las suites llamadas Escenas: Escenas húngaras (1865), Escenas pintorescas (1874), Escenas napolitanas (1976), Escenas del país de las hadas (1879) y Escenas alsacianas (1981).
    También compuso unas 200 canciones, un concierto para piano, algunas oberturas y oratorios

    Jules-Émile-Frédéric Massenet





    LA OBRA.
    Werther es un drama lírico en cuatro actos. Se estrenó en el Hofoper de Viena un 16 de febrero de 1892. Posteriormente, en enero de 1893 se representa en l'Opéra-Comique de Paris.

    Wiener Staatsoper




    La siguiente imagen quizá no pegue mucho, no es del año en cuestión, es de 1906. Corresponde a la disposición de asientos del Thèatre National de l'Opéra Comique de Paris, donde se hizo la segunda representación de Werther, tras su estreno en Alemania, mais como me gustó, aquí la dejo también. : )







    La acción transcurre en las cercanías de Frankfurt, Alemania, a finales del siglo XVIII.

    Un joven de nombre Werther, poeta, le escribe a su amigo a través de cartas y le cuenta lo que le
    va sucediendo y lo que va sintiendo en aquellos momentos de su vida.

    Werther se va a vivir a un pueblo para dejar su pasado atrás e intentar inspirarse para sus obras tales como pinturas y poemas. Un día le invitan a una festejo local en la cual debe acompañar a dos señoritas y a una amiga de éstas -desconocida para él-, ellas le advierten de que no se debe enamorar de su amiga ya que esta comprometida.
    Werther nada más conocer a Charlotte (Lotte, como la llamaban) se enamoro perdidamente de ella.

    Él prepara encuentros con ella en días sucesivos. Werther no recordaba -no quería recordar- la advertencia que le habían hecho sus acompañantes en el festejo: Lotte estaba comprometida... mais su prometido estaba en el extranjero. Él la cortejó sutilmente, hasta el punto de que cuando el prometido regreso hizo buena amistad con Werther pensando era un invitado de la familia.

    Werther entró en depresión, sufriendo como un cosaco :P, al ver a Lotte con su comprometido, con lo cuál decide marcharse a otro pueblo.
    Conoce a otra damisela con la cual tiene un romance pasajero, pero el amor que le profesa a Lotte es tan fuerte que regresa a la villa donde ella estaba.

    Al ver que no había otra solución, que Charlotte et su prometido Albert seguían juntos, decide suicidarse.

    En la noche va a ver a Lotte y la besa; finalmente él se dispara con una de las pistolas que tenia Albert.


    Joven Werther



    Les Souffrances du jeune Werther (Las Desventuras del Joven Verther)






    MUSIQUE:


    ARIA - Pourquoi me réveiller? - Georges Thill
    Orchestre du Théatre National de l`Opéra Comique
    (Paris, 1931)











    Aquí tenemos la Ópera completa.
    Es una representación del año 1977 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
    Está subtitulada al castellano.




    Teatro de La Zarzuela de Madrid, dans l'Espagne. : D







    Con Dieu, Werther!.









    @Werther

    C'est fini. : )

  22. #22
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    )
    Sublime gracias. Maravilloso Alfredo Kraus
    Última edición por Azure_Fy; 04/12/2015 a las 20:55

  23. #23
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    @Azure_Fy @Enûma Elish estáis haciendo un gran hilo, seguid, por favor. Yo soy muy lego en este mundo y no me atrevo a abrir post s tan impresionantes como los que haceis, pera sabed que os leo. A mi novia le encanta la ópera y cuando esté en Bruselas trataremos de ir, ya que en nuestra ciudad no hay un verdadero teatro de canto.

    Lo dicho seguid.

  24. #24
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    "TURANDOT"




    Dos décadas después de Madama Butterfly, Puccini volvía al Extremo Oriente- en esta ocasión, China- para desarrollar la que fue su obra póstuma, Turandot es una ópera en tres actos que se estrenó en la Scala de Milán el 25 de abril de 1926, dos años después de la muerte del compositor en Bruselas. El resto de la ópera fue compuesto, a partir de bocetos, por Franco Alfano, que respetó las ideas de Puccini. El libreto correspondió a Giuseppe Adami y Renato Simoni a partir de la obra de Carlo Gozzi.



    HISTORIA DE LA COMPOSICION

    El origen de la historia de Turandot (en persa, La Hija de Turan) se remonta al poema titulado Las siete bellezas o Las siete princesas, obra de Nezamí Ganyaví, uno de los grandes poetas épicos de la literatura persa.
    Este poema relata la historia de un príncipe persa de la época Sasánida, que tenía 7 princesas, cada una de ellas proveniente de un lugar distinto del imperio: Egipto, China, Rusia, Grecia, Turquía, India, Asia central. Una de estas princesas, de origen ruso, no encontraba ningún hombre que fuera digno de ella, y por eso se encerró en una fortaleza y declaró que se entregaría al hombre que la encontrara y pudiera resolver una serie de enigmas. Pero una vez resueltos los enigmas, debía pasar por su “puerta secreta guardada por misteriosas espadas que amenazan con decapitar al intrépido”. A partir de este relato, Carlo Gozzi creó una tragicomedia al estilo de la Comedia del arte, que luego fue recreada por el poeta alemán Friedrich Schiller. El texto de la ópera está basado en una traducción italiana de esta obra.


    Giacomo Puccini al piano, 1919 en Milán


    Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Inició la composición en enero de 1921. En marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dúo y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo la cuarta versión que hizo Adami del texto. El 10 de octubre diagnostican a Puccini cáncer de garganta y muere pocas semanas después, el 29 de noviembre, dejando tan solo treinta y seis páginas con esbozos sobre el final de Turandot. Puccini también dejó instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y Franco Alfano fue comisionado para concluirla.



    Ciudad Prohibida actualemente ------------------------------------------- Ciudad Prohibida durante la representación


    Como anécdota destacar que durante muchos años, la República Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que menospreciaba a China y a los chinos. Hacia finales de 1990 se reconsideró, y en septiembre de 1998, se estrenó en la Ciudad Prohibida.




    ARGUMENTO

    ACTO I

    -Muros de la ciudad Imperial de Pekín-

    La ópera empieza con el edicto que nos desvela la trama de la ópera ("Popolo de Pekino"... Pueblo de Pekín) donde se establece que la princesa se casará con aquel príncipe que sea capaz de desvelar los tres enigmas que ella propondrá; en caso contrario, morirá.



    Una vez dicho esto, el mandarín informa que el último pretendiente, el Príncipe de Persia, morirá con la salida de la luna. El pueblo acude con insospechada alegría al palacio ("Muoia, sì, muoia"). Entre toda la gente reunida se ve a un ciego acompañado de una guía; dicho ciego cae y, ante los gritos de auxilio de ella para que la ayuden a levantarlo, aparece alguien que lo reconoce como su padre ("O padre, sì, ti ritrovo"). El ciego, antiguo rey exiliado llamado Timur, le comenta que, tras perder la batalla, ella fue su guía y mendigaba por él; ante tal gesto noble, el príncipe preguntó a la esclava el porqué de esos actos a lo que ella responde que todo se debe "a que un día me sonrío en el palacio". En ese momento, el pueblo asistente clama fervientemente "sangre" ("Gira la cote") y pide que surja la luna ("Perchè tarda la luna?") en un tono más coral donde los tenores se van intercalando con sopranos, bajos...hasta que aparece el verdugo Pu-Tin- Pao. Sin embargo, la reacción del pueblo muta con la visión del príncipe de Persia y pide piedad para el joven (O giovanotto!Grazia,grazia...O jovencito, gracia, gracia). A ellos se une el príncipe desconocido (a partir de ahora llamaré así al hijo del rey ciego Timur) a la hora de pedir piedad para el condenado pero la aparición de Turandot cambia las maldiciones del príncipe ("ch'io ti veda e ch'io ti maledica") por unas exclamaciones de alguien completamente enamorado (O divina bellezza! O meraviglia!).


    Cuando está dispuesto a golpear el gong las tres veces le cortan el paso los tres ministros del Emperador (Fermo! Che fai?T'arresta!..., Alto, ¿qué haces? párate). Los tres ministros-Ping, Pang y Pong- tratan de convencerlo de que no vale la pena arriesgar la vida por Turandot cuando, al fin y al cabo, es una "mujer con una cara, dos brazos y dos piernas como el resto". Como una especie de tregua ante semejante repertorio de "motivos" para evitar que el príncipe desconocido siga con la idea de Turandot aparecen las sirvientas de Turandot pidiendo silencio (Silenzio,olà) así como las sombras de los condenados por el amor de la princesa de hielo en las que se nota el tono más pausado. Liù se une, a petición de Timur, para pedirle al príncipe que reconsidere su idea (Signore, ascolta!) en un aria que se apodera del oyente tanto por el dramatismo como por la belleza musical. El príncipe desconocido le responde (Non piangere,Liù) en el que le pide a ella que no abandone a su padre mientras ella no puede evitar que él esté magnetizado por la fuerza de Turandot (Nessuno più ascolto!...no escucho a nadie). El brillante final (ah,per l'ultima volta!) acaba, pues, con el célebre "Turandot!" exclamado por el príncipe hasta tres veces y golpeando el gong que le convierte en el candidato al amor de la princesa ante el pueblo aglomerado.




    ACTO II

    Cuadro I

    -Pabellón cercano al palacio del Emperador-

    Quizás es el acto en el que se note más esa musicalidad oriental, bien en la conversación entre los tres ministros del emperador, bien en esa escena impresionante del palacio del emperador en lo que es el segundo cuadro. Cómo decíamos, la conversación de Ping, Pang y Pong (Olà Pang, olà Pong!) consigue aligerar la tensión del final del primer acto con un tono melódico bien diferenciado según el momento. Así, vemos una parte de diálogo ágil (O China, o China) en el que van recordando el destino terrible de China desde que nació Turandot, los diferentes pretendientes "peculiares"( O Mondo!) y, entre ambas escenas, la evocadora "Ho una casa nell'Honan" en un sublime trío en el que los ministros van recordando sus respectivas zonas de descanso y sus deseos de volver... si no fuera porque debían mantenerse en Pekín por la princesa. La culminación del primer cuadro llega de la mano de ese "Addio,amore, addio,razza!" en el que los tres ministros cantan al unísono imaginando un feliz desenlace, cómo prepararían los esponsales y deseando que el amor devuelva la paz a la China (Gloria,gloria al bel corpo discinto"... Gloria al bello cuerpo desnudo).Desde el Palacio Verde les llaman para que se presenten para el "enésimo suplicio" con lo que sirve de nexo para dar lugar al segundo cuadro



    Cuadro II

    -Palacio del Emperador-

    Llegan los tres ministros al palacio donde les recibe el público expectante por la resolución de los enigmas ("Gravi,enormi ed imponenti"...graves, enormes e imponentes). El Emperador, aclamado por el pueblo, trata de convencer al príncipe desconocido para que renuncie a seguir con esa locura "que ensucia de sangre su cetro" y por el que no quiere "cargar con el peso de su joven vida". El mandarín, como algo rutinario, repite la cantinela del principio de la obra, recordando que aquel que no supere los enigmas deberá poner su cabeza debajo del hacha.

    Turandot, que no ha aparecido en toda la ópera salvo para sentenciar con un gesto al príncipe de Persia al principio del acto I, tiene su primera intervención con un aria que revela su carácter duro y frío ("In questa Reggia"... En este palacio) donde revive el dramático fin de la princesa Lou-Ling, violada por un extranjero, y que, ahora, Turandot quiere vengar.


    Maria Calla caracterizada cono Turandot


    En un aria imponente, de gran fuerza dramática, la colaboración del coro es secundaria pero no le quita belleza sino que la complementa. El príncipe, que escucha como Turandot le pide que "no tiente la fortuna", insiste en su intención de resolver los tres enigmas; uno a uno, el príncipe los va resolviendo ante el aplauso del público presente ("Gloria,gloria, o vincitore"). Cuando se resuelve el tercer enigma surge la sorpresa: la princesa pide que "no se le entregue en los brazos del extranjero" como una "esclava, muerta de vergüenza"; todo esto es acompañado por la gran belleza de la melodía pucciniana en la que la voz de la soprano se une formando una gran armonía . El príncipe, que prefiere que la princesa no se muestre hostil, le sugiere que resuelva un enigma: si dice su nombre antes del alba ("Tre enigmi m'hai proposto"..."Dimmi il mio nome"...Tres enigmas me has propuesto...Dime mi nombre), él morirá. Ella acepta esta solución mientras que el Emperador, harto de tanta muerte, le desea suerte.




    ACTO III

    Cuadro 1

    -Jardines del Palacio- Noche

    Los heraldos anticipan el aria del príncipe cuando desvelan la orden de Turandot: "Nadie duerma en Pekín. Pena de muerte salvo que el nombre del príncipe desconocido sea revelado". El aria "Nessun Dorma", como anticipábamos en la introducción, es lo más emblemático de esta ópera. Su belleza es reconocida dentro y fuera del mundo de la ópera.



    Audrey Stottler y Luciano Pavarotti (Turandot y Calaf)

    Los tres ministros irrumpen (Tu, che sguardi!) con el objetivo de convencerlo de que abandone la idea de tener a Turandot presentándole mujeres bellas, dinero o imperios fabulosos pero el príncipe niega tales bienes ya que sigue queriendo a la princesa mientras que el pueblo, amenazado por ella, se muestra adverso; visto que no es el camino, le traen a su padre- recordemos que es el rey Timur que aparece en el acto I- y a la esclava Liù bajo amenaza de tortura para que el príncipe diga su nombre. Llega la princesa y Ping le cuenta la intención de empezar la tortura (Principessa!).Este momento es clave en la ópera puesto que Liù se convierte en la verdadera protagonista: declara que sabe el nombre pero niega revelar el secreto puesto que quiere "poseerlo ella sola"; se muestra fuerte ante la tortura y su aria "Tanto amore segreto, e inconfesato", en el que desvela todo el sacrificio dispuesto a realizar por ella, es un ejemplo de la gran serenidad de una persona dispuesta a morir por no decir el nombre del príncipe; eso sí, sin dejar de advertir que la princesa acabaría cediendo al amor del desconocido ("Tu , che di gel sei cinta"). La muerte de Liù, unida al presagio de Timur, cambia la actitud de los tres ministros y del pueblo que, hasta entonces, estaba ofuscado y que deviene compasivo ("Liù, sorgi!,sorgi!"). Cuando todos se han marchado, el príncipe recrimina el porte frío de la princesa, recordando la sangre derramada ("Principessa di gelo!"), y afirmando rotundamente que todo ese " tu hielo es mentira". Ella le confiesa sus sensaciones cuando le vio por primera vez ("Del primo pianto") y cómo había vencido él, no con la prueba, sino con "esa fiebre que me viene de ti"... pero pidiendo que no siga más con el intento de tenerla en sus brazos ("Vittoria più grande non voler"). Al final, el príncipe acaba resignado y decide revelarle el nombre: "Io son Kalaf,figlio di Timur" mientras suenan las trompetas desde el Palacio.





    Cuadro 2

    -Palacio-



    Tras la aclamación del pueblo al Emperador llega el momento en el que Turandot debe desvelar el nombre del príncipe extranjero: "Il suo nome è ...Amor", dice ella. El pueblo se muestra exultante de que la princesa haya alcanzado el amor y lo celebra ("Amor! O sole!, vita!,eternità!") en un final bastante emotivo.







    Os dejo la ópera completa subtitulada al español, además es la escenificada en la Ciudad Prohibida en 1998.



    Os dejo el audio del mejor Turandot representado en San Francisco. November 4, 1977 por:


    Turandot: Montserrat Caballé.
    Calaf: Luciano Pavarotti.
    Liù: Leona Mitchell.
    Timur: Giorgio Tozzi.
    L'imperatore: Raymond Manton.
    Ping: Dale Duesing.
    Pang: Rémy Corazza.
    Pong: Joseph Frank.
    Un Mandarino: Aldo Bramante.
    Tre Principesse: Pamela South, Carol Vaness, Gwendolyn Jones.
    Conductor: Riccardo Chailly.

    Info
    https://es.wikipedia.org/wiki/Turandot_(Puccini)
    http://www.operamania.com/sinopsis/turandot_gp.htm
    Última edición por Azure_Fy; 05/12/2015 a las 22:21

  25. #25
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    Cita Iniciado por Enûma Elish Ver mensaje
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    Gran hilo @Azure Fy, lo sigues engrandeciendo et enriqueciendo a cada edición de tu mensaje inicial.
    Es un plaisir este hilo, non solo acústico, también visual. Gracias. : )

    Dejo algo de Caruso, aprovechando tu mensaje anterior con su presentación, la Romanza nº5 de las seis totales de Tchaikovsky. Su Op 6, de título Pourquoi? (¿Por qué?).
    En la descripción del video leemos que la grabación data de noviembre del año 1916, mais me atrevo a decir que su sonido no es el original de fonógrafo ni gramófono al uso, sino que se trata de un audio vinilo posterior, casi con seguridad que grabado el vinilo de un original de fonógrafo.


    Es curioso porque creo que es la unica version en francés del Porque? de Tchaikovsky

  26. #26
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    Werther es de la operas más bonitas y emotivas, y de las mejores operas para tenor, tiene muchos momentos para lucirse






  27. #27
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    Werther es de la operas más bonitas y emotivas, y de las mejores operas para tenor, tiene muchos momentos para lucirse
    Además de tener arias realmente dificiles, os dejo 3 video donde explican a la perfección la técnica vocal del Maestro Alfredo Kraus en Werher.





    Última edición por Azure_Fy; 05/12/2015 a las 04:41

  28. #28
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    Maria Callas



    Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoúlou, (nacida en Nueva York el 2 de diciembre de 1923, fallecida en París el 16 de septiembre de 1977) soprano, conocida como "María Callas", de prodigiosa y portentosa voz, capaz de los matices y colores más insospechados, y su personal forma de abordar la interpretación de los personajes en escena. Verista, sensual y moderno, su estilo revolucionó los usos y costumbres de los grandes divos y divas de su época, mucho más estáticos en sus movimientos. Considerada la cantante de ópera más eminente del siglo XX fue llamada «La Divina» por su extraordinario talento vocal y actoral.


    Hija de un emigrante griego, María Callas tras la separación de sus padres, regresó con su familia a Atenas cuando contaba trece años. Poco después ingresó en el Conservatorio de la capital helena, donde tuvo como profesora de canto a Elvira de Hidalgo. Su formación fue lenta y nada había en ella que permitiera presagiar a la futura diva; miembro de la compañía de la Ópera de Atenas desde 1940 hasta 1945. Estudió con la soprano Maria Trivella, y después "bel canto" (perfecta producción del legato a lo largo de todo el registro vocal, como también el desarrollo de elementos virtuosísticos como la coloratura, el trino, la brillantez de los agudos y sobreagudos y el manejo perfecto de la respiración) con Elvira de Hidalgo, que la formó en la tradición del belcanto romántico italiano. En 1938 hará su debut no profesional como Santuzza en "Cavalleria rusticana", en Atenas.

    El debut de Maria fue en febrero de 1942, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas, con la opereta Boccaccio.


    El primer éxito lo tendría en agosto de 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas. En 1944, durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, las fuerzas ocupantes pierden el control de Grecia y la flota británica llega al puerto de El Pireo. Maria Kalogeropoulos decide volver a los Estados Unidos para encontrarse con su padre. Sus éxitos no fueron muchos hasta que la quiso escuchar Edward Johnson, el director general del Metropolitan Opera House, quien le ofreció inmediatamente los principales papeles en dos producciones en las temporadas de 1946-1947: Fidelio, de Ludwig van Beethoven, y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. Para sorpresa de Johnson, Maria rechazó los papeles: no quería cantar Fidelio en inglés, y consideraba que el rol de Butterfly no era el mejor para su debut en América. Aceptó cantar la ópera Turandot en Chicago, en enero de 1947.




    Maria Callas mujer de carácter muy fuerte y determinante en sus decisiones, que se evidenciaría en el trato con su madre y más tarde con Aristóteles Onassis. Su voz en los pianos era bellísima, pero acusaba un timbre metálico que no sabía anular con técnica. En sus tiempos fue llamada una soprano assoluta o soprano sfogato.

    Su personificación de la protagonista de la Norma de Bellini en Florencia, en 1948, acabó de consagrarla como la gran soprano de su generación y una de las mayores del siglo. La década de 1950 fue la de sus extraordinarios triunfos: en absoluta plenitud de sus medios vocales, protagonizó veladas inolvidables, muchas de ellas conservadas en documentos fonográficos de inestimable valor, en las que encarnó los grandes papeles del repertorio italiano belcantista y romántico para soprano.

    Maria conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona, quien la contrató para cantar La Gioconda, de Ponchielli, en ese anfiteatro. Viajó entonces a Italia en compañía de la esposa de Bagarozy, Louise (hermana de Adriana Caselotti) y allí conoció a quien sería su primer esposo: un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini.



    María con su primer marido, Giovanni Battista Meneghini.

    Su debut italiano en la Arena de Verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. En 1949 se casa con Meneghini y cambia su nombre a Maria Meneghini Callas.





    Autógrafo firmado como María Meneghini Callas

    Después de su Elvira en Venecia, Maria se convirtió en una celebridad en Italia, pero todavía no se le había ofrecido un papel en el teatro más importante del país, La Scala de Milán. Representa Aida el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría. Para su segunda presentación el 7 de diciembre de 1951, La Scala se rindió a Maria Callas, un éxito que dio origen a que recibiera el apelativo de «La Divina». La temporada de 1951–1952 inició con I vespri siciliani, de Giuseppe Verdi, siendo una de las actuaciones más aclamadas y recordadas de la soprano. En julio de 1952 Callas firmó un contrato de grabación exclusiva con Walter Legge, productor musical de EMI.


    En 1954 hace su debut en Estados Unidos, en la Lyric Opera of Chicago, como Lucia di Lammermoor. En 1955, probablemente su mejor año escalígero, canta una Norma que adquirirá estatus legendario, junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco, dirigida por Antonino Votto, y en Berlín junto a Herbert von Karajan canta una Lucia di Lammermoor histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlin. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto.
    El 17 de noviembre de 1955, al término de la presentación de Madame Butterfly en el Lyric Opera de Chicago, Maria Callas celebraba su triunfo. La audiencia continuaba aplaudiendo cuando se acercó el oficial de justicia Stanley Pringle, que le presentó un requerimiento judicial por haber sido demandada por su anterior representante, Eddie Bagarozy, quien esgrimía un contrato de 1947 que le designaba como único representante.

    La siguiente vez que Maria provocó titulares por un escándalo fue por una representación de Norma en la ópera de Roma, el 2 de enero de 1958, en honor del presidente de Italia, Giovanni Gronchi, y su esposa.

    Desgraciadamente, Maria contrajo un resfriado y se informó al teatro de que se le debía substituir, pero La Scala se negaba a sustituirla. Maria, contra las órdenes de los médicos, salió a escena pero tuvo claro desde la primera nota que su voz estaba en mala condición. Al final del primer acto, media audiencia no se mostraba satisfecha. Maria huyó rápidamente por una puerta trasera, y anunció que lo había hecho porque no estaba a la altura del público milanés. Al avisar al teatro de su situación vocal, el teatro había respondido «Nessuno può sostituire la Callas» («Nadie puede sustituir a la Callas»), lo que enfureció al público milanés. El público estaba rabioso, pero Maria fue excusada cuando recibió la llamada de la señora Gronchi, quien le aseguró que ni ella ni su marido se habían ofendido.




    1958 su año más legendario

    Tres meses después, Maria cantaría junto al joven tenor canario Alfredo Kraus en Lisboa una de las representaciones más aclamadas de La traviata, de Verdi. Esta función dirigida por Franco Ghione el 27 de marzo de 1958 es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de esta ópera. Aquí abajo os dejo semejante obra de arte, si palabras.



    Comienzo de su declive personal y vocal

    El 3 de noviembre de 1959, Maria Callas dejó a su marido Giovanni Meneghini por el magnate naviero griego Aristóteles Onassis. Esta tortuosa relación sentimental se convertiría en una «tragedia griega». La soprano se retiró durante un breve tiempo mientras duraba su relación con Onassis, y a su regreso (por falta de práctica y excesiva vida social) su voz había perdido fuerza y evidenciaba los signos de decadencia que ya se habían advertido años antes.



    Por aquel tiempo (1961) Maria representaba Medea en Epidauro y en La Scala. No tenía buena voz y el 11 de septiembre de 1961, durante el primer acto en el dueto con Jasón (personaje interpretado por Jon Vickers), la audiencia comenzó a pitar. Maria ignoró el alboroto hasta que llegó la escena donde ella denuncia a Jasón con la palabra «Crudel!» («¡Cruel!»). Después del primer «Crudel!» paró de cantar; miró al público y le dirigió su segundo «Crudel!»; hizo una pausa y comenzó otra vez con las palabras: «Ho dato tutto a te» («Te lo he dado todo») haciendo un gesto como si amenazara con el puño a la galería; la audiencia paró de silbar, y María recibió una ovación clamorosa al final. En mayo de 1965 la voz de Callas volvió a ser objeto de disputas. Estaba representando Norma en la Ópera de París.

    La noche de la última representación de Norma, el 29 de mayo, Maria estaba más débil y Cossotto se ensañó con ella e hizo del gran dueto un duelo entre ambas. Al final, cuando el telón cayó, Maria colapsó y fue llevada inconsciente a su camerino. En 1965 la Callas realizó su última representación de ópera con Tosca en el Covent Garden londinense junto a su compañero de escena clásico el barítono Tito Gobbi. Tenía 41 años.

    El 20 de octubre de 1968 Onassis abandonó abruptamente a Callas para casarse con Jacqueline Kennedy, la viuda del presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy, asesinado en Dallas. La Callas, herida en lo más profundo de su orgullo, nunca pudo superar el mal trance por el abandono de Onassis y jamás se lo perdonó a pesar de que Onassis, más tarde la buscaría repetidas veces cuando su matrimonio con la viuda estadounidense se había convertido en un martirio.


    María en París, 1970


    El 25 de mayo de 1970 tuvo que acudir corriendo al hospital y se anunció que había querido suicidarse con una sobredosis de barbitúricos. Entre 1971 y 1972 intenta dedicarse a la dirección escénica sin poder alcanza el éxito. Luego impartió una serie de clases magistrales en la Juilliard School de Nueva York.



    Casa de María en París (regalada por Onassis)

    Poco después se instaló definitivamente en París en la más completa soledad hasta su muerte a los 53 años en su apartamento de la Avenue Georges Mandel 36 (y Rue des Sablons) cerca del Arco de Triunfo. El 16 de septiembre de 1977 María se despertó, desayunó en la cama y fue hacia el cuarto de baño. Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada otra vez a la cama y bebió un café fuerte. Reclamaron la presencia del médico del mayordomo, que salió inmediatamente hacia la residencia de Maria, quien murió antes de que llegara. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Las razones de su muerte quedan poco claras: oficialmente se trató de una «crisis cardíaca», pero no se descarta que se suicidara ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes[cita requerida]. Su urna fúnebre fue robada y encontrada unos días más tarde. Tras su recuperación se dispersaron sus cenizas en el mar Egeo.




    Repertorio

    En total cantó 47 personajes (incluyendo Smaragda en O protomastoras de Kalomiris en 1943, su único papel en una ópera contemporánea).

    Ópera clásica y belcantista

    Vincenzo Bellini: Norma, I puritani, La sonnambula, Il pirata
    Luigi Cherubini: Medea papel que interpretó en la película de Pier Paolo Pasolini (sin relación con la ópera)
    Christoph Willibald Gluck: Alceste, Iphigénie en Tauride
    Gioacchino Rossini: Il turco in Italia, El Barbero de Sevilla, Armida
    Gaspare Spontini: La vestale
    Giacomo Meyerbeer: Le Pardon de Ploërmel
    Gaetano Donizetti: Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Poliuto

    Ópera verista

    Giacomo Puccini: Tosca, Turandot, Madama Butterfly, Suor Angelica (1 rep. 1940)
    Umberto Giordano: Andrea Chénier, Fedora
    Pietro Mascagni: Cavalleria rusticana (Santuzza) (1939 y 1944)
    Amilcare Ponchielli: La Gioconda
    Arrigo Boito: Mefistófeles (3 rep. en 1954)
    Giuseppe Verdi: Nabucco, Macbeth, Rigoletto, Il trovatore, La traviata, Las vísperas sicilianas, La fuerza del destino, Aida, Don Carlo, Un ballo in maschera

    Ópera alemana (en italiano) y otras

    Beethoven: Fidelio (11 representaciones en 1944 en Atenas al principio de su carrera)
    Richard Wagner: Tristán e Isolda, Parsifal, La valquiria
    Eugen d'Albert: Tiefland (Martha, 1944, Atenas)
    Carl Millöcker: Der Bettelstudent (Laura) (Atenas, 1945)
    Haydn: Orfeo ed Euridice (2 en 1951)
    Mozart: El rapto en el serrallo (4 rep. en 1952)
    Von Suppe: Bocaccio (debut profesional 1939, Atenas)



    Para terminar os dejo unas cuántas óperas completas





    +Info

    http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/callas.htm
    http://iopera.es/maria-callas/
    https://es.wikipedia.org/wiki/Maria_Callas

  29. #29
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  30. #30
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